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lunes, 27 de septiembre de 2010

SILVIA EISENSTEIN Piano, Composición



SILVIA EISENSTEIN, pianista, compositora, pedagoga, directora de orquesta y coro. Nació en Buenos Aires. Desde muy niña fue iniciada por los profesores Ernesto Drangash y Esperanza Lothringer, eminentes pianistas y pedagogos. A los 6 años de edad fue presentada en público por su primer maestro y a los 9 dió su primer concierto de piano.

Prosiguió sus estudios en el Conservatorio Nacional de Música y Arte Escénico, y terminados sus cursos de piano continuó con los de composición. Al mismo tiempo y durante ocho años, estudió con el famoso pianista Jorge de Lalewicz. En Francia, estudió en el Conservatorio Nacional de París, becada por el gobierno Francés. Realizó numerosos conciertos en Buenos Aires, en el interior y en diversas ciudades de países sudamericanos.

Compositora espontánea, desde la niñez Silvia Eisenstein produjo numerosas páginas originales. Compuso obras instrumentales y sinfónicas de coloración nacional. Su ballet Supay se estrenó en el Teatro Colón de Buenos Aires en 1953. Todo su repertorio es de carácter rural, unas trescientas obras, y se fundan en auténticas canciones de todo el país (Argentina) recogidas por ella misma. Como compositora recibió un Premio Nacional y otras distinciones. Fue fundadora de la Orquesta Argentina de Cuerdas, Orquesta Argentina de Cámaras, Conjunto Vocal Argentino, y Coro de la Asociación de Compositores Argentinos, la dirección de orquesta y de coros fue su vocación complementaria, y grabó al frente de diferentes conjuntos orquestales y vocales varias colecciones para la disquera Odeón. En el año 1963, Silvia Eisenstein llegó a Venezuela para cumplir una gira de conciertos en Caracas y en el interior del país. El reconocimiento de Venezuela y su gente la llevó a tomar la decisión de no regresar a la Argentina y nacionalizarse venezolana en el año 1977.

Concertista de piano, compositora y directora de orquesta. Se integró al movimiento musical del país participando activamente en las programaciones de conciertos, así como también en las labores docentes. Formó parte del personal de profesores que llevó adelante la Reforma Musical dirigida por el Maestro Gonzalo Castellanos, con una cátedra de Formación Coral. Fue profesora de piano en la Escuela de Música Lino Gallardo. Creó un Coro de Cámara en la Universidad Central de Venezuela y durante muchos años dirigió a los Madrigalistas de Aragua. Como etnomusicóloga conoció la música autóctona de Venezuela a través del Instituto de Etnomusicología y recopiló innumerables melodías en el interior del país haciendo una rigurosa selección para dejarla como documentación en el instituto.
Silvia Eisenstein murió en Caracas el 13 de agosto de 1986.
Fuente: Folleto del programa del concurso Nacional de Piano "Silvia Eisenstein"
es.wikipedia.org

jueves, 23 de septiembre de 2010

JENNIFER KOH Violín



JENNIFER KOH es ampliamente reconocida por su habilidad de fusionar una interpretación intensa, manteniendo una elegante postura clásica. Con virtuosismo, exuberancia y un inquieto intelecto, explora continuamente conexiones entre las piezas que interpreta, buscando similitudes tanto entre diferentes compositores, como en las obras de uno solo. Así, sus programas presentan una reveladora yuxtaposición, ofreciendo obras de diversos compositores como MOZART, ORNETTE COLEMAN, SCHUBERT y WUORINEN.

Tras ganar el premio mayor en el Concurso TCHAIKOVSKY de Moscú en 1994, ha seguido debutando como solista con grandes orquestas internacionales. Interpretando tanto música de cámara como recitales, KOH se presenta en grandes teatros y festivales musicales como el Carnegie Hall y el Schleswig-Holstein Music Festival, colaborado de forma cercana con directores como JOHN ADAMS, MARIN ALSOP y DANIEL BARENBOIM entre otros.

Considerada hoy en día una de las más grandes intérpretes de la música contemporánea, recientemente estrenó The Singing Rooms de JENNIFER HIGDON con la Orquesta de Filadelfia. Ha participado en importantes presentaciones de repertorio contemporáneo que incluyen, el Concierto para violín de LIGETTI, Water Passion de TAN DUN y Concerto in slendro de LOU HARRISON.

Su discografía denota una gran pasión por ofrecer un amplio espectro de repertorio. Su más reciente grabación, String Poetic, fue nominado a un premio Grammy en 2008. Este trabajo incluye String Poetic de JENNIFER HIGDON, junto con obras de LOU HARRISON, JOHN ADAMS y CARL RUGGLES. Previas grabaciones incluyen la obra completa de sonatas para violín de SCHUMANN, los conciertos para violín de SZYMANOWSKI y MARTINU , el Concierto para violín de MENOTTI y un disco titulado Violin Fantasies.

Nacida en Chicago, de padres coreanos, vive en Nueva York. Tiene un grado en Literatura Inglesa de la Universidad de Oberlin. Estudió también en el Curtis Institute. Como educadora, goza de amplio reconocimiento por sus presentaciones en escuelas de EE.UU. por medio de su innovador programa de extensión llamado Mensajera de la Música.

JENNIFER KOH está muy agradecida con su patrocinador privado por el generoso préstamo del Ex Grumiaux Ex General DuPont Stradivari 1727 que usa en sus presentaciones.
Fuentes: asociacion-sinfonica.org ; jenniferkoh.com

ANNE AKIKO MEYERS Violín



ANNE AKIKO MEYERS, aclamada como una de las mejores concertistas contemporáneas de violín del mundo. La renombrada solista, que ha grabado discos y además de ser especialista en música de cámara se destaca como docente, ha actuado en todo el continente americano, Asia, Australia y Europa. Ha llegado a grandes audiencias estrenando obras inéditas, escritas para ella, y ha difundido trabajos poco conocidos en su permanente búsqueda que contempla la experimentación y el intercambio abierto.

Fue elegida para estrenar diversas obras de compositores tales como David Baker, Mason Bates, John Corigliano, Karl Amadeus Hartmann, Jennifer Higdon, Olivier Messiaen, Akira Miyoshi, Arvo Part, Manuel Ponce, Somei Satoh, y Joseph Schwantner.

Comenzó sus estudios a los 4 años, y a los 7 hizo su debut con la orquesta local para pasar, a la corta edad de 11 años, a escenarios de relevancia nacional, cuando se presentó dos veces en el popular programa ‘The Tonight Show’ conducido por Johnny Carson e interpretó junto a la Filarmónica de Los Ángeles. Al año siguiente, debutó en la Filarmónica de Nueva York bajo la dirección de Zubin Mehta. Al poco tiempo, comenzó a dar presentaciones en Estados Unidos, Japón, Australia y Europa, y al momento en que se lanzó su primer disco de los conciertos para violín de Barber y Bruch, a sus 18 años, Anne ya era reconocida como una de las estrellas de su generación.

Esta temporada, Meyers lanza un muy esperado nuevo álbum titulado ‘Smile’ para Koch Records junto con Akira Eguchi en piano. La grabación incluye arreglos especiales de obras como ‘Somewhere Over the Rainbow’, ‘Smile’ de Charles Chaplin y tangos de Astor Piazzolla. También se incluyen otros temas como ‘Moonlight Over the Ruined Castle’ de Rentaro Taki y ‘Sea in Spring’ de Michio Miyagi, además del estreno de ‘Fantaisie’ de Olivier Messiaen, el meditativo ‘Spiegel im Spiegel’ de Arvo Part y la Fantasía de Schubert.
Su extensa discografía está disponible en grabaciones editadas por los sellos discográficos Avie, BMG/Sony, Canyon Classics, Camerata, Hyperion, Koch, Naxos y Warner Classics. (Amazon e iTunes)
Esta temporada, las fechas internacionales incluyen actuaciones con la Sinfónica de Birmingham del Reino Unido, un regreso a la BBC con la Sinfónica de Escocia y una gira por Polonia y España con el Concerto de Karlowicz. Recientemente, la concertista trabajó junto a la leyenda del jazz Wynton Marsalis, que compuso para ella nuevas cadenzas sobre el concierto para violín en sol mayor de Mozart. Anne acaba de realizar una gira por Japón donde ejecutó ‘En Passant’ de Akira Miyoshi y el Concerto de Mendelssohn, junto a la Filarmónica de Japón en el Suntory Hall; también tocó ‘Serenade’ de Bernstein en el Pacific Music Festival de Sapporo, celebrando el 90 aniversario del nacimiento del fallecido maestro Bernstein. A comienzos de 2009, retornará a Sudamérica y se presentará en el Cartagena Festival Internacional de Música de Colombia.

La admirada violinista ha sido invitada regularmente para presentarse junto a algunas de las orquestas y en los escenarios más prestigiosos, entre los que podemos mencionar el Carnegie Hall, el Hollywood Bowl, el Tanglewood, la Sinfónica de Boston, la orquesta Filarmónica de Londres, la Filarmónica de Los Ángeles, l'Orchestre de París, la Orquesta de Minnesota, la Sinfónica de Montreal, la Filarmónica de Moscú, la Filarmónica de Nueva York, la Orquesta de Filadelfia, la Royal Concertgebouw Orchestra, la Orquesta Filarmónica Real de Londres, la Orquesta de la Radio de Suecia, la Orquesta Sinfónica de Sidney, la Sinfónica NHK de Tokio, la Sinfónica de Toronto y la Sinfónica de Viena.

Se ha presentado en numerosos programas de televisión, entre otros la transmisión de A&E Network del Festival Casals con la Sinfónica de Montreal y Krzysztof Penderecki, un programa de PBS con la Boston Pops Orchestra y John Williams, y sus actuaciones en “The Tonight Show” de Johnny Carson o la entrega de los premios Emma, que captaron la atención del público a nivel nacional. También realizó una presentación con Keith Lockhart y la Royal Concertgebouw Orchestra en Holanda. También se ha presentado frente a 750.000 personas en Sidney, en la celebración del Bicentenario de Australia y ha actuado para dignatarios como el Emperador y la Emperatriz de Japón.

Anne ha protagonizado numerosos comerciales en revistas y en televisión y apareció recientemente en anuncios de cuerdas Vision Titanium de Thomastik-Infeld, ya que es una de las artistas que representa a la marca.

Anne Meyers nació en San Diego, California y se crió en Los Ángeles antes de mudarse a Nueva York. Estudió con Alice y Eleonore Schoenfeld en la Colburn School of Performing Arts, con Josef Gingold en la Universidad de Indiana, y con Felix Galimir, Masao Kawasaki y Dorothy DeLay en la Academia Juilliard. A los 23, recibió la prestigiosa beca Avery Fisher Career Grant, y fue la única oportunidad en que dicha beca anual se otorgó a un único artista.

Recientemente, se convirtió en la primera violinista en ser nombrada Miembro del Consejo Rector de la Universidad de California, en Los Ángeles. Como participante activa en los programas de extensión cultural y difusión a la comunidad tanto en Estados Unidos como en Japón, Anne disfruta dando masterclasses, ha sido panelista en el Simposio Starling-DeLay llevado a cabo en Juilliard y es miembro del jurado en numerosas competencias.

Anne ejecuta el violín Rey de España de Antonio Stradivarius que data de 1730, llamado así por pertenecer en su momento al Rey de España.
Fuente: www.anneakikomeyers.com

JANINE JANSEN Violín




JANINE JANSEN es una de las violinistas europeas con más prestigio internacional. Toca con un violín "Barrere" fabricado en 1727 por Antonio Stradivarius, que le ha sido cedido por la fundación holandesa Elise Mathilde. Nacida en Holanda en 1978 y de familia de músicos debutó en el año 2001 como solista con la National Youth Orchestra de Escocia y al año siguiente debutó en Londres con la Philharmonia Orchestra dirigida por Vladimir Ashkenazy y desde entonces ha sido invitada para tocar con algunas de las orquestas más importantes del mundo, como la London Symphony Orchestra, la New York Philharmonic o la Royal Concertgebouw.

Ha grabado hasta el momento 5 discos con el sello discográfico DECCA (Universal Music) y todos sus discos han conseguido un gran éxito de ventas, siendo disco de platino en las 5 ocasiones. Uno de sus discos más prestigiosos es la grabación de las 4 estaciones de Vivaldi en formato cámara, con arreglos realizados por ella misma para 6 instrumentos. Para esta grabación contó con la colaboración de su padre.

En el año 2003 le otorgaron el Dutch Music Award del Ministerio Holandés de la Cultura, siendo la distinción más alta que puede recibir un artista en los Paises Bajos. Ha recibido también numerosos premios, incluido el Edison Classic Public en 3 ocasiones y el ECHO por su grabación del Concierto de Vivaldi en 2006.

Su último lanzamiendo es una grabación de los conciertos para violín de BEETHOVEN y BRITEN, bajo la dirección del director PAAVO HÄRVI, con la Deutsche Kammerphilharmonic Bremen y la London symphony Orchestra.

Durante la temporada 2009/2010 ha colaborado con la Orquesta Filarmónica de Berlín, la London Symphony Orchestra, la Philharmonia Orchestra, la Orquesta de París y la Orquesta de Philadelphia. También ha realizado una gira por España y EEUU con la Royal Concertgebouw, bajo la dirección de MARISS JANSONS.

En ocasiones toca con la Orpheus Chamber Orchestra, una orquesta que trabaja sin director y cuyos miembros deciden en todas las interpretaciones cómo quieren que suene la obra y quiénes interpretan los papeles más importantes o los secundarios, consiguiendo así, una gran autonomía y proporcionándoles una gran responsabilidad a la par que satisfacción a todos sus integrantes.

Durante el verano del 2010 ha tenido que cancelar todos sus conciertos por prescripción médica, para tomarse un descanso, debido al agotamiento causado por exceso de trabajo.
En enero del próximo año tiene programada una visita, de nuevo, a España para ofrecernos un concierto en Zaragoza con la Orquesta de París, dirigida por PAVO JÄRVI, interpretando el Concierto Nº2 de BRITTEN.
Fuentes: www.janinejansen.com; www.mujeraldia.com; www.abc.es

martes, 21 de septiembre de 2010

KAIJA SAARIAHO Composición, Electrónica



KAIJA SAARIAHO, finlandesa nacida en 1952, se ha dado a conocer internacionalmente gracias a sus trabajos musicales en los que explora las posibilidades de la electrónica. Habiendo inicialmente estudiado artes visuales en la Universidad del Arte Industrial (actualmente conocida como la Universidad de Arte y Diseño) en Helsinki, pasa posteriormente a estudiar Composición con Paavo Heininen en la Academia Sibelius de 1976 a 1981. Más tarde estudia en la Escuela Superior de Música de Friburgo con Brian Ferneyhough y Klaus Huber, y se diploma allí en 1983. El año anterior sigue un curso de música por ordenador en el IRCAM (Institut de Recherche Et Coordination Acoustique / Musique) en París, y desde entonces ha incorporado el ordenador a sus creaciones musicales como una parte esencial de su técnica. Con su peculiar uso del ordenador, Kaija analiza los colores tonales y los cambia lentamente a algo nuevo, consiguiendo así una "fría belleza propia del firmamento nórdico" en sus composiciones, según la han definido algunos críticos musicales. Ello se refleja en cierto modo en los títulos de algunos de sus trabajos, como por ejemplo, Io, en clara referencia a una de las lunas de Júpiter, o Lichtbogen, inspirada en las bellas auroras boreales.

La música de esta experta compositora se interpreta en todo el mundo desde los años ochenta, y numerosas instituciones, como por ejemplo la Opera Nacional Finlandesa, la BBC, el propio IRCAM donde cursó los estudios antes mencionados, el Lincoln Center de Nueva York e incluso los organizadores del Festival de Salzburgo, le han encargado diversas composiciones a lo largo de su carrera. No en vano ha ganado numerosos premios internacionales, entre ellos el Kranichsteiner Musikpreis de Darmstadt en 1986, durante los cursos de verano sobre nuevas músicas organizados por esta institución; el Prix Italia en 1988 por su composición Stilleben; y el premio Ars Electronica en 1989, por Stilleben y su composición de corte cósmico Io.

Aunque afincada en París desde 1982, Kaija recibe su salario del gobierno finlandés por su trabajo como polifacética compositora y artista. Sus obras más importantes incluyen Verblendungen (para orquesta y cinta magnetofónica, 1982-84), Lichtbogen, para una ensemble de cámara e instrumentos electrónicos (1985-86), Jardin Secret I (en cinta magnetofónica, 1984), Jardin Secret II (para clavicordio y cinta magnetofónica, 1984-86), la ya comentada Io (para una ensemble, cinta magnetofónica e instrumentos electrónicos, 1986-87), Nymphea (para cuarteto de cuerda e instrumentos electrónicos, 1987, obra encargada por el Lincoln Center), su también premiada obra radiofónica, Stilleben, (1987-88) y diversas piezas orquestales, agrupadas bajo el nombre genérico Du Cristal (1989-90, obra encargada por la Orquesta Filarmónica de Los Angeles y el Festival de Helsinki).

Al margen de su propia producción musical, Kaija Saariaho ha participado en diversas producciones multimedia en las que se entrelazan distintos géneros artísticos, como por ejemplo el ballet Maa (1991). Otras obras que han resultado de su prolífico genio creativo son Amers (1992, para violoncelo, ensemble e instrumentos electrónicos, un encargo conjunto del Centro Barbican y el IRCAM), Solar (1993, para ensemble y teclados electrónicos, obra encargada por la Ciudad de Amberes para Champ d'Action), y Trois Riviéres (1994, para cuarteto de percusión e instrumentos electrónicos, un encargo realizado por la organización del Festival de Salzburgo). En 1995 la BBC Proms Season y la institución VARA de los Países Bajos le encargaron conjuntamente un concierto para violín, titulado Graal Theatre. En el estreno de dicha obra, la Orquesta Sinfónica de la BBC fue dirigida por Esa-Pekka Salonen, y actuó como solista el legendario violinista Gidon Kremer. Uno de sus últimos trabajos es la composición de un ciclo de canciones orquestales, para el Festival de Salzburgo de 1996, cantadas por Dawn Upshaw.

La especial música de Kaija Saariaho puede encontrarse editada por distintos sellos discográficos, entre ellos: Finlandia, Ondine, Wergo, Neuma y BIS, y partituras suyas han sido publicadas por Edition Wilhelm Hansen and Chester Music. Sus composiciones han sido asimismo grabadas por, entre otros, Esa-Pekka Salonen, la Orquesta Filarmónica de Los Angeles, y el Cuarteto Kronos.


Influída por la tradición post-serial, pronto se cansó de las múltiples limitaciones propias de esta tradición. Rehusando componer mediante negaciones, ya que no se permitía ritmo, ni armonías al estilo tonal, ni melodías definidas en esta escuela, pronto la abandonó, ya que en su opinión todos los medios son lícitos para componer, siempre que se utilicen adecuadamente. Pese a todas estas ideas que han forjado la mayor parte de su obra, actualmente Kaija ha ido abandonando los instrumentos electrónicos en favor de los acústicos, y ha ido perfilando sus composiciones hacia el campo de las grandes orquestas, cultivando asimismo un lenguaje musical más abierto y dramático, como reflejan las piezas mencionadas bajo el epígrafe Du Cristal y su ya comentado concierto para violín, Graal Theatre.

Kaija Saariaho admite que hay una fuerte presión comercial en contra de la experimentación musical y las nuevas músicas minoritarias, lo cual podría suponer la muerte definitiva del género que ella representa tal vez en los próximos veinte años. No obstante este negro vaticinio, Kaija cree que no se debe abandonar, que es preciso seguir buscando lo nuevo, en solitario si cabe.
Fuentes: www.amazings.com, es.wikipedia.org, www.elpaís.com

lunes, 20 de septiembre de 2010

CHIQUINHA GONZAGA Dirección, Composición



En mi búsqueda de Mujeres Instrumentistas de todos las épocas y estilos a veces me encuentro con verdaderos tesoros, de los cuales ni siquiera había oído mencionar ni de pasada, que me sorprenden por su gran calidad artística y por su interesante vida, por su trabajo y su lucha para llevar a cabo su arte o su manera de entender el mundo, pero lo que más me sorprende es su total anonimato. Sirva como ejemplo de lo dicho CHIQUINHA GONZAGA, sin duda una de las figuras más importantes en la lucha por los derechos y la libertad de Brasil. Compositora, instrumentista y primera directora de orquesta de su país; nacida en en siglo XIX en Río de Janeiro el 17 de Octubre de 1847. Ella promovió la nacionalización de la música e introdujo la música popular en los salones elegantes, además fue fundadora de la primera sociedad de protección de derechos de autor.

Estudió piano con un tutor y a los 11 años compuso su primera canción, un villancico. Se casó a los 16 años, con un oficial de la Marina Mercante elegido por sus padres. Unos años más tarde abandonó a su marido por un ingeniero de ferrocarriles, del que también se separó. Se ganó la vida como profesora de piano. . Por invitación del reconocido flautista Joaquim Antonio da Silva Callado (1848-1880), se unió al coro Carioca como pianista, tocando en fiestas y participando en el ambiente artístico la época. Su debut como compositora fue en 1877, con una polca. Estudió con el pianista portugués ARTURO NAPOLEÓN, para perfeccionar su técnica y comenzó a escribir música para teatro con una partitura para un libreto de Artur Azevedo, la cual fue rechazada por los empresarios. Lo volvió a intentar en varias ocasiones más, hasta que en 1885 logró estrenar una opereta en el Teatro Príncipe Imperial.
En 1889 promovió y dirigió un concierto de guitarras, instrumento que estaba mal visto en aquella época.
Fue una gran activista perteneciente al movimiento para abolir la esclavitud y para ello vendía sus partituras por las puertas con el fin de recaudar fondos para la causa. Fue partícipe de todas las grandes causas sociales de su tiempo.
En 1899, ya gozaba de gran reputación cuando compuso O Abre Alas, que se convirtió en un himno del carnaval brasileño.
En la primera década del siglo XX viajó por Europa y vivió durante 3 años en Lisboa. Regresó a Brasil y obtuvo su mayor éxito teatral en 1912 "Estreia Forrobodó". Dos años después volvió a obtener un gran éxito con su composición de tango "Corta-Jaca" interpretado por Nair de Tefé, Primera Dama del país, cantante y pianista. Este hecho causó un gran escándalo político.
En 1917 dirigió la fundación SBAT, empresa pionera en la gestión y protección de los derechos de autor. Su última composición la escribió a los 85 años, titulado "María" y dedicado a su hija.

Su obra reúne decenas de partituras para obras de teatro y cientos de canciones en varios géneros: polka, el tango brasileño, el vals, habanera, schottisch, mazurca, etc. Murió a la edad de 87 años, el 28 de febrero de 1935, en Río de Janeiro. Dos días más tarde se celebró el primer concurso oficial de Escuelas de Samba de Brasil.
Fuente: www.chiquinhagonzaga.com, extraído de la biografía redactada por Edinha Diniz. Editorial Rosa dos tempos. Brasil.

miércoles, 15 de septiembre de 2010

ANGELES LÓPEZ ARTIGA Piano, Composición




ÁNGELES LÓPEZ ARTIGA, inició sus estudios de piano, armonía, contrapunto y fuga, composición, canto y declamación lírica en Valencia, obteniendo las máximas calificaciones, Premios Extraordinarios Fin de Carrera y “Premio Massi” al mejor expediente académico, posteriormente los amplió en Madrid, en la Akademie von Musik de Graz y en el Mozarteum de Salzburgo.

Como compositora tiene editadas, obras sinfónicas, óperas, sonatas, ciclos de canciones, obras para piano, etc. Sus composiciones han sido estrenadas en Holanda, Bélgica, Austria, Alemania, Canadá, Estados Unidos, Dinamarca, Rusia e Italia entre otros países por solistas tan renombrados como Walter Boykens, Enrique García Asensio, Steven Mead o Dmitri Furdnadjiev., etc.

Es el único compositor español que ha invitado la Universidad de Harvard (Cambridge, Massachusetts - Estados Unidos) para presentar su obra; ella misma interpretó su obra vocal y pianística, efectuando el estreno mundial de la primera sonata que se ha escrito en la historia de la música para voz y piano.

Su ópera “El adiós de Elsa” con libreto de E. Quiles, se estrenó en Broadway (New York - Estados Unidos) cantando ella misma el “rol” de Elsa, la interprete principal.

Tiene efectuadas gran número de grabaciones del repertorio internacional y de su propia obra, así como grabaciones en radio y televisión. Sus cuatro últimos registros han sido, “Tres miradas sobre el folklore español” 2004 (Factoría Autor. SGAE ), con canciones populares de Manuel de Falla , Federico García Lorca y de ella misma. “Momento de Sonatas” 2005 (AM productions ), monográfico de su música de cámara en el que ella misma participa como pianista y soprano. “Colección de Tonadillas. Desde el siglo XVIII a E. Granados” 2007 (Several Records - Tañidos). “Ángeles López Artiga. Obras para piano” 2008 ( Several Records - Tañidos), como interprete de su propia obra.

Por encargo del Instituto Valenciano de la Música de la Generalidad Valenciana compuso, para la conmemoración internacional del Año Max Aub, una obra para orquesta de cámara, cuyo estreno se efectuó en la sede de la Fundación Max Aub el 2 de Junio de 2003, día de su 100 Aniversario.

Como soprano ha cantado en la Berliner Philharmonie, Musikverein de Viena, Mozarteum de Salzburgo, Palau de la Música de Valencia, Palau de la Música Catalana, auditorios de Madrid, Sttutgart, Budapest, Moscú, Roma, Milán, Copenhague, Boston, etc.

Asimismo como pianista ha ofrecido numerosos recitales y es requerida habitualmente para impartir cursos internacionales de perfeccionamiento e interpretación pianística y vocal de música española.

Tiene editados numerosos libros : Escuela del bajo cifrado, Acompañamiento Improvisado, La Transposición, Las Artes en paralelo etc. Igualmente como musicóloga le han sido publicados numerosos trabajos y obras de análisis del periodo barroco valenciano, con la transcripción y realización de los bajos cifrados.

También es requerida, con asiduidad, para formar parte de Comités de Honor y como miembro, de jurados internacionales de canto: Teatro Nacional de la Ópera de Budapest, Concurso Internacional de Voces Líricas “Giacomo Lauri-Volpi” de Latina, etc.

Le ha sido otorgado el premio “Ausias March” por su importante contribución a la música como interprete, creadora y musicóloga. Desde 1995 hasta su extinción ha sido directora del Instituto de Musicología de la IVEI de la Generalidad Valenciana.
S.M. la Reina Sofía le ha aceptado la dedicatoria en edición de "Los Inmortales", siete preludios para piano.

Desde 1992 dirige, coordina y modera “Las Artes en Paralelo” en el Palau de la Música de Valencia. Es catedrática del Conservatorio Superior de Música de Valencia.
Es Hija Predilecta de Massamagrell, su pueblo natal. Es “Insigne de la Música Valenciana” por designación de la Muy Ilustre Academia de la Música Valenciana.
Forma parte del Consejo Asesor de las Artes de la Valencian International University (VIU).
Fuente: www.angeleslopezartiga.com

martes, 14 de septiembre de 2010

POLLY FERMAN Piano



Una de las máximas interpretes de la música de las Américas, la pianista uruguaya POLLY FERMAN continua cautivando al público con su excelente interpretación de compositores tales como Gottschalk, Nazareth, Gershwin, Villa-Lobos, Ginastera y Piazzolla. Su maestría de este repertorio ha llevado a que El Japan Times la distinguiera como "Embajadora de la música de las Américas".

Las extensas giras de Ferman como solista incluyen actuaciones con la Sinfónica de San Francisco, Colorado, Vancouver, Indianápolis, (USA), la Filarmónica de Tokio, la Orquesta Sinfónica de Járkov (Ucrania), así también como la Orquesta Filarmónica de las Filipinas, la Orquesta Sinfónica de Sâo Paulo (Brasil), la Orquesta Sinfónica Nacional de Argentina, la Orquesta del Teatro SODRE de Montevideo, Filarmónica de Montevideo y la Camerata Romeu de Cuba. También ha realizado recitales en el Carnegie Hall de Nueva York, en el Suntory Hall y el Takemitsu Hall de Tokio, en el Woolf Trapp de Virginia, en St. Martin in the Fields de Londres, el el Koncert Halle de Berlin, y el Teatro Colon de Buenos Aires, entre otros,

Fue la única solista seleccionada para tocar en los Juegos Panamericanos de 1992, donde interpretó a Villa Lobos con la Orquesta Sinfónica de Indianápolis.

Polly Ferman es la creadora, directora musical y pianista de: GlamourTango, un show de música y danza con un elenco totalmente femenino.

Sus colaboraciones en duo incluyen a Eduardo Isaac ( guitarra) y al bandoneonista Daniel Binelli, inclusiones como artista invitada en el Quinteto de Daniel Binelli, en Tango Metrópolis, en el Proyecto Orquestango e inclusión en el documental especial de PBS: “Tango, the Spirit of Argentina”.

Las grabaciones de Polly Ferman como solista constituyen una de las más vastas colecciones de repertorio de música latinoamericana y están disponibles en Music Masters, Musical Heritage Society, PAMAR, Talent Romeo Records , EPSA Music, Sondor y New Tango Vision.

Ferman comenzó sus estudios de piano a la edad de tres años en su país natal, Uruguay, ofreciendo su primer recital a los 7 años y ganando el Primer premio en el concurso de Juventudes Musicales a los 9 años. A los 11 años, hizo su debut sinfónico con la Orquesta de la OSSODRE de su país natal. Estudió en el Conservatorio J. S. Bach como alumna de Santiago Baranda Reyes y más tarde con Celia Bronstein en Buenos Aires y Eugene Liszt y William Daghlian en Nueva York www.pollyferman.net

Polly Ferman es la fundadora y directora ejecutiva de PAMAR (Pan American Musical Art Research, Inc.), www.pamar.org, una organización sin fines de lucro cuya misión es promover un mejor entendimiento entre los diferentes países y culturas de las Américas, originalmente a través de la música y danza, hoy abarcando todas las disciplinas culturales. Ferman produce y dirige la Semana de la Cultura latinoamericana en Nueva York, Latin American Cultural Week.
Fuente: www.pollyferman.net

lunes, 13 de septiembre de 2010

REYES OTEO Electrónica, violín



Nace en Sevilla en 1982, realizando estudios de música en el Conservatorio Francisco Guerrero de dicha ciudad, donde obtiene el Título de Profesora de Violín. Posteriormente se traslada a Málaga, logrando el Título Superior de Composición. Allí conduce su especialización hacia la música electroacústica y su interrelación con las demás disciplinas musicales y artísticas en general, y más concretamente entre Arte y Tecnología. Fruto de ello fue su Proyecto Fin de Carrera, en el que se aunan música sinfónica, electrónica, interpretación solística y vídeo en vivo, que fue interpretado en concierto público y con el que logró las más altas calificaciones.


Ha estrenado numerosas composiciones, tanto acústicas como electroacústicas. Destacan especialmente la iniciática «Alumbra» (2002) para violín, violoncello y acordeón (Monasterio de Veruela, Zaragoza); «Axolot» (2002) para violín, violoncello y piano (Festival Internacional de Música Contemporánea «Molina Actual», Murcia); «Fragmentos para dominar el silencio»; «Herrena»; «Soldado del cielo», estrenada en la Iglesia Abacial de Santa Clara de Moguer, y «Fin», ciclo de lieder para soprano solista y orquesta de cámara sobre textos de José Javier González, estrenada en el V Ciclo de Música Contemporánea de Málaga a cargo del Grupo Instrumental ACIM (Asociación de Compositores e Instrumentistas de Málaga).


Su intensa dedicación a la música por ordenador despunta en «Tehom» (2003), espectáculo audiovisual electroacústico con puesta en escena por actores en vivo y proyección de vídeo simultánea basada en el texto dramático «¿Se ha vuelto Dios loco?» de Fernando Arrabal, estrenada en el IV Ciclo de Música Contemporánea de Málaga en el ACIM, posteriormente repuesta en diversas ocasiones, destacando la inauguración de la Sala de Exposiciones del Ayuntamiento de Mairena del Aljarafe (Sevilla), en el Paraninfo de la Universidad de Deusto y su emisión en la televisión eiTb, en su espacio «eiTb cultura».


Si sus composiciones electroacústicas han sido incluidas en DVDs, (como «Abisal», en «Miniaturas 2» del TALMA, editado por la Junta de Andalucía), y en 2.002 el Ministerio de Cultura, en conjunción con el Centro para la Difusión de la Música Contemporánea, editan el CD «Cuerdas en el Aire», con diversa música instrumental suya. Cabe destacar entre ellas también «Fuego» (2004) sobre el film de José Val del Omar «Fuego en Castilla», que centró la exposición El Mito de San Sebastián instalado en el Monasterio de Santa Clara de Moguer (Huelva).


Como intérprete de música electroacústica en directo, ha colaborado en estrenos de compositores como Francisco José Martín Jaime (Preludio a la Ópera Medea), tocando en conciertos con la Orquesta Filarmónica de Málaga, en el Teatro Cervantes; y con Diana Pérez Custodio (El Nudo), Sala Falla, Málaga. También han requerido su intervención en espectáculos como la «Improvisación Audiovisual» en la muestra Live Cinema (Experiencias Vjs) del Festival Eutopía’06 de Córdoba, su participación en el proyecto multimedia Infinito, sus colaboraciones a petición del Festival de Improvisación Multidisziplinar en el Espacio de Creación L´mono Bilbao y puestas en escena con la bailarina y coreógrafa estadounidense Katie Duck y su Magpie Music Dance Company –Amsterdam (La Fundición Aretoa, Bilbao).

Fuente: www.musicaelectroacústica.com

Infinito + Reyes Oteo from Reyes Oteo on Vimeo.

LIU FANG Pipa




Residente en Montreal, LIU FANG ha conseguido fama internacional por su magistral y profundamente espiritual forma de tocar la pipa, instrumento tradicional chino de cuerda pulsada, parecido al laúd occidental. Nacida en 1974 en Kunming, en la provincia china de Yunnan, Liu Fang empezó a estudiar pipa a la edad de seis años y dio su primer concierto como solista cuando tenía sólo nueve. En 1985 tocó para la reina Isabel de Inglaterra en la visita de Su Majestad a China. Laureada con diversos premios provinciales y nacionales, se graduó por el Conservatorio de Música de Shangai, donde además estudió el “guzheng”, un tipo de cítara china. Desde que se trasladara a Canadá en 1996, se ha hecho de un notable perfil artístico cautivando tanto a público como a crítica, por la riqueza y gracia de su ejecución así como por su amplio y variado repertorio.

Entre los numerosos recitales como solista, conciertos y festivales en toda Canadá, Estados Unidos y Sudamérica, Liu Fang ha estrenado composiciones nuevas de los aclamados compositores canadienses R. Murray y Melissa Hui. De hecho, apareció en la espectacular premier mundial de la ópera de R. Murray Schafer The Palace of the Cinnabar Phoenix, interpretando solos extraordinarios con la pipa y con el guzheng. También ha colaborado con grandes maestros de música tradicional de la India, Japón, Siria y Vietnam. Ha tocado dos conciertos para pipa y orquesta (la Ghost Opera del celebrado Tan Dun y King Chu Doffs his Armour de Zhou Long) con la Moravia Symphony Orchestra en Praga (1999), y el pasado noviembre actuó junto a la Orchestre des Pays de Savoie en Francia interpretando música improvisada sobre Lied der Erde (Canción de la tierra) de Gustav Mahler, por lo que obtuvo grandes elogios. Recientemente, Liu Fang ha tocado con la afamada Nouvelle Ensemble Moderne y SMCQ en Montreal, el Alcan String Quartet en Quebec, y el Quartetto Paul Klee Venezia en Italia. Desde el año pasado ha estado colaborando con Malcolm Goldstein, un gran maestro del violín aclamado internacionalmente, en músicas nuevas e improvisadas.

Liu Fang es bien conocida por su virtuosa y expresiva interpretación de música tradiconal para pipa y guzheng de los repertorios clásico y folclórico. Aclamada por la prensa como “una de los grandes virtuosos”, “la emperatriz de la pipa” (L'actualité, 2001), es capaz de transmitir de una forma erudita y significativa la belleza y riqueza de la música antigua, así como de sonoridades sutiles de los instrumentos gracias a la fuerza y sensibilidad de su ejecución. Liu Fang ha dado exitosas giras en solitario para los Jeunesses Musicales de Francia (noviembre 2003), y Debut Atlantic (febrero 2004).

Ha hecho además numerosas apariciones nacionales e internacionales en televisión y radio, ha actuado para el cine, y sacado 5 discos. Recientemente ha sido llamada como una de las artistas invitadas (junto por ejemplo al violinista ruso de reputación mundial Vadim Repin) por la BBC World Service para un concierto el 7 de noviembre de 2003, dedicado al Día Mundial del SIDA. La grabación de este concierto fue emitida por distintas plataformas mundiales de televisión, llegando a unos 150 millones de personas. Ha sido también honrada con ser una de las artistas invitadas de la “Rough Guide to Chinese Music” lanzada por la World Music Network y la Farside Music Production and Management Company en el Reino Unido. También es artista especial de la revista top mundial fROOTS Magazine, en marzo 2004, número 249.

Liu Fang ha sido galardonada en diversas ocasiones con premios del Council of the Arts de Canadá. El 5 de junio de 2001, recibió el prestigioso “Future Generations Millenium Prize”. En las palabras del jurado: “La maestría de Liu Fang a la pipa y al guzheng ha asentado su reputación internacional como una joven intérprete de música tradicional china de gran talento. Aspira a combinar su conocimiento y práctica de tradiciones orientales con la música clásica occidental, música contemporánea e improvisación, por tanto de crear nuevas formas musicales, uniendo diferentes culturas y descubriendo nuevas audiencias”. El 4 de agosto de 2006, recibió el presitigioso “L'Academie Charles Cros” de Francia por su nuevo álbum Le Son de Soie, producido por Accords Croises en París.
Fuente: www.philmultic.com
Traducción de inglés por: Joaquín Casas Molina

sábado, 11 de septiembre de 2010

VERA MARTÍNEZ MEHNER Violín



VERA MARTÍNEZ MEHNER, nació en Madrid y empezó sus estudios de violín a los cinco años. Estudió en la Escuela Superior de Música Reina Sofía con los profesores Serguei Fatkouline y Zakhar Bron, con el cual terminó sus estudios superiores en la Hochschule für Musik de Colonia.
Ha ganado importantes premios como el Primer Premio y Premio Especial a la mejor interpretación clásica del Concurso Internacional Kloster Schöntal (1995) y el Segundo Premio del Concurso Internacional de Violín Henry Wieniawsky en Polonia (1997). Como miembro del Cuarteto Casals ha ganado sendos Primeros Premio en los Concursos Internacionales de Londres (2000) y Hamburgo (2002) aparte de ser premiada con el Premio Nacional de Música en el año 2006.
Como solista ha actuado con varias orquestas como la Orquesta Sinfónica de Santo Domingo, la Orquesta de Cámara de la Escuela Superior Reina Sofía, la Orquestra Sinfónica de Palma de Mallorca, la Orquesta de Cámara Andrés Segovia y la Orquesta de Cámara Reina Sofía, con directores como James Judd, Victor Pablo, Antoni Ros Marbà, Zubin Mehta y Yehudi Menuhin. Ha hecho colaboraciones con la Deutsche Kammerphilarmonie Bremen y tocado en conciertos de música de cámara con músicos como Gérard Caussé, Harald Schoneweg, Marta Gulyàs y Claudio Martínez Mehner.
Es miembro del Cuarteto Casals desde su inicio en 1997. Ha grabado cinco discos y concertado en las salas más prestigiosas de Europa, EEUU y Japón. Es profesora de música de cámara en el Conservatorio Superior de Aragón y en la Escuela Superior de Música de Cataluña.
Fuente: www.cuarteto-casals.com

miércoles, 8 de septiembre de 2010

YVONNE LORIOD piano



YVONNE LORIOD (20 de enero de 1924 – 17 de mayo de 2010) fue una pianista francesa; fue la segunda esposa del compositor Olivier Messiaen. Su hermana fue Jeanne Loriod, una de las primeras intérpretes de las Ondas Martenot.


Nació en Houilles, cerca de París. Comenzó sus estudios de piano a los 6 años. Desde pequeña tuvo la oportunidad de dar conciertos remmunerados en la casa de su madrina y profesora madame Nelly Eminger-Sivade; en cada uno de ellos interpretaba una obra clásica, una romántica y una contemporánea. Antes de los 14 años, su repertorio incluía todos los conciertos de Mozart, todas las sonatas de Beethoven, el Clave bien temperado completo así como las obras clásicas y románticas usuales para el estudio.

Sus maestros fueron Lazare Levy, Marcel Ciampi, Simone Caussade, Joseph Calvet, C. Estyle y después Olivier Messiaen y Darius Milhaud. Bajo su tutela agregó a su repertorio las obras para piano de Claude Debussy, Maurice Ravel y otros de sus contemporáneos.

Olivier Messiaen reconoció en ella su técnica deslumbrante y su memoria fenomenal para interpretar todo tipo de música. Prácticamente todas las partes pianísticas de sus obras orquestales fueron dedicadas a ella. En 1961 se casaron, convirtiéndose en la segunda esposa de Messiaen.

Enseñó piano durante 25 años en el Conservatorio de Música de París, recibiendo su premio siete veces. Con su abrumador dominio de la técnica pianística, la armonía, el contrapunto, la fuga, la composición y la orquestación, llegó a leer a primera vista las partituras de Messiaen y compilar las partes vocales de la ópera Sant François d'Assise de Messiaen.

Se debe a ella, junto a Heinz Holliger y George Benjamin, la terminación del Concert à Quatre que dejó incompleto Messiaen, y también la edición de Traité de rythme, de couleur et d’ornithologie, de siete tomos y más de cuatro mil páginas, en la cual su esposo había trabajado más de cuarenta años.

Ha destacado también por sus notables grabaciones de las obras pianísticas de Pierre Boulez y sobre todo las de su esposo, que son consideradas referenciales.
Fuentes: www.oliviermessiaen.org y es.wikipedia.org

ALMA ROSÉ Violín, Dirección



ALMA ROSÉ ha sido una violinista y directora que ha vivido la dura y brutal etapa de la segunda guerra mundial en el campo de concentración de Auschwitz por su ascendencia judía. Allí dirigió una orquesta femenina de prisioneras que había sido formada previamente por una ambiciosa oficial de las SS. La calidad del grupo femenino mejoró de forma espectacular cuando ALMA ROSÉ -sobrina de GUSTAV MAHLER- se puso al frente. Como cuentan Richard Newman y Karen Kirtley en su biografía de ROSÉ, logró reunir a un grupo disciplinado de unas cincuenta instrumentistas y convenció alas SS para que le facilitaran materiales, incluidos una batuta y un podio. El repertorio incluía marchas, valses de STRAUSS, fragmentos de opera, el primer movimiento de la 5ª de BEETHOVEN, partes de la Sinfonía del Nuevo Mundo de DVORAK y Träumerie de SCHUMANN, esta última una de las piezas predilectas del cruel Mengele.
"Ella vivía en otro mundo" afirmó una superviviente sobre ROSÉ. "Para ella, la música significaba su amor y sus desilusiones, sus penas y sus alegrías, su eterno anhelo y su fe y esta música flotaba en lo alto sobre la atmósfera del campo." Una violonchelista polaca recordaba como ROSÉ la había reprendido violentamente por tocar un Fa natural en vez de un Fa sostenido. En ese momento, la joven música se puso furiosa; echando la vista atrás, pensaba que esta insistencia aparentemente fútil en la perfección la había salvado de la locura. En otra ocasión, ROSÉ interrumpió enfadada una interpretación cuando oyó a guardias de las SS hablando demasiado fuerte en segundo plano. Era un misterioso eco de las protestas de su tío, cuando se quejaba de los públicos poco atentos en Viena. ALMA ROSÉ enfermó en abril de 1944, aparentemente de botulismo. Murió muy pronto, a pesar de los intentos al parecer sinceros de Mengele para curarla.
Nació el 3 de noviembre de 1906, Viena y murió el 5 de abril de 1944, Auschwitz.


Su padre era el violinista ARNOLD ROSÉ (1863-1946), líder de la Orquesta Filarmónica de Viena durante cincuenta años; entre 1881 y 1931, había sido también líder de la orquesta de la Ópera Estatal de Viena y líder del legendario Cuarteto de Cuerdas Rosé. La madre de Alma era JUSTINE , la hermana de GUSTAV MAHLER. . Su nombre proviene de ALMA MAHLER.
En 1930 contrajo matrimonio con el violinista checo VÁSA PRÍHODA (1900-1960), considerado uno de los grandes virtuosos del violín del siglo XX.
En 1935 la pareja se separó.

ALMA ROSÉ tuvo una carrera muy exitosa: en 1932 fundó la orquesta femenina Die Wiener Walzermädeln (Las valsistas de Viena), cuya concertista fue su amiga ANNY KUX. El conjunto tocó a un nivel muy alto, brindando conciertos a lo largo y ancho de Europa.

Después de la anexión de Austria a Alemania en 1938 ALMA y su padre lograron escapar a Londres; sin embargo, Alma regresó al continente para continuar actuando en Holanda. Cuando los alemanes ocuparon los Países Bajos, estaba atrapada. Su matrimonio ficticio con un ingeniero holandés llamado August van Leeuwen Boomkamp no la salvó; tampoco lo hizo su reputación como judía convertida al Cristianismo. Huyó a Francia, pero a finales de 1942, cuando trataba de escapar a la neutral Suiza, fue arrestada por la Gestapo. Pasó varios meses en el campo interno de Derancy y en julio de 1943 fue finalmente deportada al campo de concentración de Auschwitz.

Apenas llegada a Auschwitz, Rosé fue puesta en cuarentena y enfermó gravemente, pero finalmente fue reconocida. Asumió el liderazgo de la Mädchenorchester von Auschwitz (Orquesta femenina de Auschwitz). La orquesta era el proyecto favorito de la SS-Oberaufseherin Maria Mandel. Antes de ROSÉ, osé, la directora de la orquesta había sido ZOFIA CZAJKOWSKA, una maestra polaca. La principal función de la orquesta era la de tocar cada amanecer y cada ocaso en la puerta principal del campo, cuando los prisioneros iban y volvían de sus trabajos forzados; la orquesta también daba conciertos de fines de semana para los prisioneros y la SS y entretenía a los oficiales nazis.
Como directora de la orquesta tenía algunos privilegios y comodidades que no tenían los otros prisioneros, como comida adicional y una habitación privada (los otros miembros de la orquesta vivían con menos lujos, pero tenían ropa adecuada y no realizaban trabajos manuales pesados). Se ha dicho que Rosé moldeó la orquesta y la convirtió en un conjunto excelente; la dirigió, la organizó y a veces tocó solos de violín durante sus conciertos. Evidentemente, estaba en alta estima debido a su talento musical para Maria Mandel, Josef Kramer y Josef Mengele, un nivel de respeto muy inusual para los prisioneros judíos.

La orquesta incluyó dos músicos profesionales, la chelista ANITA LASKER-WALLFISCH y la vocalista y pianista FANIA FÉNELON, cada una de las cuales escribió memorias de su tiempo en la orquesta que fueron traducidas al inglés. Como evidencia de su éxito, los partidarios de Rosé notan que, bajo su protección, ningún miembro de la orquesta fue asesinado; los que enfermaron llegaron a ser atendidos en el hospital, algo imposible para los prisioneros judíos de Auschwitz.
Las actuaciones de ALMA ROSÉ junto a su marido fueron editadas en CD años después.
Fuentes: "El Ruido Eterno" de Alex Ross. Ed. Seix Barral y es.wikipedia.org

martes, 7 de septiembre de 2010

NORI BUCCI Guitarra, Composición



NORI BUCCI es una joven y espectacular guitarrista muy desconocida para el público en general y muy admirada por los entendidos que saben de su arte. Principalmente toca y compone música instrumental y utiliza técnicas de guitarra muy avanzadas y fraseos muy depurados . Abarca una gran variedad de estilos como folk, fusión, música clásica, rock y jazz.
Comenzó en la música con 10 años aprendiendo de forma autodidacta, sacando de oído las canciones que le gustaban. A los 16 años se lo tomó más en serio y estudió guitarra clásica, comenzando así a componer música instrumental. En 1994, comenzó a estudiar teoría musical con el reconocido guitarrista de Buffalo TONY SCOZZARO. Dos años más tarde se matriculó en el Villa Maria College for music con profesores como JAMES KERTZDORFER y JEREMY SPARKS.
En junio de 2002, fue seleccionada como una de las cinco finalistas de la "North American Rock Guitar Competition", y obtuvo el segundo lugar. En noviembre de 2003, ganó el primer premio como mejor guitarrista de rock en la música de Buffalo.

Cuenta con 2 discos en el mercado, compuestos, interpretados y grabados por ella sóla con los títulos "Speak my soul" (actualmente agotado) y "Tales of a Dream". A menudo se publican artículos sobre ella en revistas especializadas en guitarra como el Guitar Player.

Actualmente toca con la banda GAMALON de Buffalo, una de las mejores bandas de jazz-fusión del país, con la cual se puede ver en el siguiente vídeo.



jueves, 2 de septiembre de 2010

PAMELIA KURSTIN Theremin



PAMELIA KURSTIN se ha convertido en uno de las figuras internacionales que dominan el Theremin con gran maestría. Destaca por su forma de tocar el "walking bass" con su theremin, emulando a los bajistas. Ha grabado con artistas de gran prestigio como, DAVID BYRNE o BELA FLECK & THE FLECKTONES y también ha actuado en el programa de televisión americano de gran audiencia, Saturday Night Live.
Nació el 28 de mayo de 1976 en el sur de California y grabó su primer disco, titulado "Gymnopedie" en el año 2000 con el dúo "The Kurstins" junto al teclista GREG KURSTIN. En el año 2004 apareció en un documental que se realizó sobre ROBERT MOOG, el pionero del instrumento electrónico, titulado "Moog".
Actualmente realiza actuaciones en solitario y con el grupo neoyorkino "The Barbez".
Fuentes: www.thereminvox.com; www.ted.com


miércoles, 1 de septiembre de 2010

EDITH PICHT-AXENFELD Piano, Harpsichord



EDITH PITCH-AXENFELD ha sido una de las pianistas y harpsichordistas que más ha destacado entre los virtuosos del siglo XX. Nació en 1914 en Brisgovia, Alemania.
Comenzó a estudiar piano a los 5 años con ANNA HIRZEL-LANGENHAN y RUDOLF SERKIN. También estudió órgano con WOLFGANG AULER y ALBERT SCHWEITZER. Comenzó su carrera como concertista en 1935, dos años más tarde, ganó el 6 º Premio en el Concurso Chopin en Varsovia (1937). Después de este éxito, ella apareció en recitales como solista y conciertos sinfónicos en Austria y Alemania. Al estallar la Segunda Guerra Mundial interrumpió su carrera profesional y se dedicó a la enseñanza, convirtiéndose en profesora de música en la Escuela Birklehof Embarque en Hinterzarten (Schwarzwald), casándose con el director de la escuela, el Dr. W. PICHT. A partir de ese momento usó el apellido doble PICHT-AXENFELD.

Después de la guerra, EDITH PICHT-AXENFELD mantiene un calendario de intensas giras como pianista, clavecinista e intérprete de cámara por toda Europa, Oriente, América, India y Sudáfrica. Alcanzó la fama presentando la serie de piezas completas de BACH para clave y sonatas de BEETHOVEN. Su repertorio, sin embargo, no se limita a estos dos compositores, ya que tocó con gran éxito las obras de los románticos (SCHUBERT, SCHUMANN, CHOPIN, LISZT y BRAHMS), música expresionista, impresionista y de algunos compositores de la Avant-garde del siglo XX como LIGETTI y NONO.

Fue también una prolífica intérprete de cámara. Durante muchos años, formó un trío de piano con el violinista NICOLÁS CHUMACHENKO y el violonchelista ALEXANDER STEIN. Acompañó a famosos solistas como PINA CARMIRELLI y HENRYK SZERYNG, AURELE NICOLET, HEINZ HOLLIGER o DIETRICH FISCHER-DIESKAU, y a menudo con el pianista CARL SEEMANN, con el cual formó dúo.
Combinó sus conciertos con la enseñanza, además de diferentes master-class en Salzburgo, Japón, México e Israel.

En 1995 volvió a Polonia después de 58 años de su aparición en el Concurso Chopin para realizar un recital en el Festival Internacional de Chopin en Duszniki. En Octubre del mismo año fue jurado de la 13 ª edición del Concurso Chopin en Varsovia.

EDITH PICHT-AXENFELD realizó muchas grabaciones de piano, clavicémbalo y música de cámara para Deutsche Grammophon, Philips, Erato, Víctor Internacional, Aurophon y Tokio Camerata. Murió en el 2001, en Hinterzarten, a los 87 años de edad.
Fuente: www.bach-cantatas.com