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lunes, 29 de septiembre de 2008

LORI LINDSTRUTH Guitarra



Lori Linstruth es una poco conocida pero increíble guitarrista. A finales de los años ochenta Lori llegó a Los Angeles con la intención de formar un grupo de metal melódico formado íntegramente por mujeres. Después de un tiempo, conoció a Velia Garay que tocaba el teclado y formaron Warbride.

Era bastante complicado encontrar músicos que fueran mujeres, que tocaran ese estilo de música y que además tocaran bien, así que les llevo bastante tiempo encontrar al resto de componentes. La primera formación de Warbride estaba formada por Lori Linstruth (guitarra), Velia Garay (teclado), Janna James (bajo), Sandy Sledge (batería) y Nancy H (voz).

Durante el año siguiente Warbride tocaron varios conciertos, incluso consiguieron tocar en sitios más importantes como el Roxy o el Whiskey, obteniendo poco a poco más fama. Por desgracia, empezó a haber problemas y la batería Sandy se fue del grupo, aunque durante esa época consiguieron grabar una demo de cinco canciones.

Después de varios cambios en la formación, entre los que estuvo en el grupo la cantante Susie Shubert, al final solo quedaban Lori y Velia de los miembros originales. En esos momentos tuvieron la posibilidad de grabar otra demo, pero al final no se grabó, solo grabaron una canción y poco después Lori dejó el grupo. Velia continuó bajo el nombre de Warbride pero pasados unos meses se disolvieron totalmente. Cuando dejó el grupo, Lori dejó también de tocar la guitarra y todo lo que tuviera que ver con la música.

Desgraciadamente, a veces hay grupos que, por diversas circunstancias, nunca llegan a grabar un disco. Es una pena que se pierdan cosas tan buenas. Warbride tuvieron muy mala suerte, eran realmente buenas y podían haber llegado lejos.

Este año Warbride han vuelto: Lori Linstruth, Velia Garay, Susie Shubert y Sandy Sledge pronto comenzarán a grabar canciones para un nuevo disco de Warbride.

Actualmente Lori vive en Suecia, ha vuelto a coger la guitarra y está grabando sus propias canciones. Además acaba de sacar su increíble primer cd en solitario. Esta demo se vende a través de su página. También va a colaborar en el disco tributo a Ayreon.

Si quieres saber mucho más sobre Lori Linstruth y Warbride puedes visitar la Página de Lori Linstruth y la Página de Warbride.

Fuente: metalquens


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martes, 23 de septiembre de 2008

BETH ANDERSON Compositora



Esta compositora estadounidense afincada en Nueva York, profesora de música en la facultad de la prestigiosa Greenwich House Music School, es conocida por su labor en el campo de lo que puede considerarse nueva música romántica, además de componer obras para texto y sonido, y teatro musical, si bien sus primeros trabajos iban en una línea más bien post-Cageana, que poco tenía que ver con el academicismo propio de la Música Contemporánea. Tras abandonar este camino, la artista se ha decantado por un estilo más lírico, al tiempo que mantiene en su creatividad musical la cualidad inherente a la escuela minimalista.
Como ella misma dice, "en la actualidad, mi música está llena de cortes/collage de materiales recién compuestos. Desde 1985 he ido componiendo principalmente swales para distintas combinaciones instrumentales". Los "swales", como ella llama a estas composiciones, se refieren a un tipo de obras basadas en cortes/collage, bautizadas así ya que en su tierra, un "swale" es una pradera con una gran diversidad de vida vegetal. Dado que sus collages recuerdan esta diversidad, le pareció que éste era el nombre perfecto para definirlas.
Además, el caballo ganador de un derby en Kentucky llevaba este mismo nombre, y la autora decidió usarlo para varias de sus obras: "Pennyroyal Swale" y "Rosemary Swale" para cuarteto de cuerda, "Brass Swale" y" Saturday/Sunday Swale" para quinteto de metal, "Guitar Swale" para un dúo de guitarra, "May Swale" para viola solista, "Minnesota Swale" para orquesta, "New Mexico Swale" y "August Swale" para ensemble de cámara, "Flute Swale" y "Rhode Island Swale" para clavicémbalo...

Nacida en Kentucky, Beth Anderson recibió su formación musical en California con John Cage, Terry Riley, Robert Ashley y Larry Austin en el Mills College y la Universidad de California Davis. Miembro de diversas asociaciones, entre las que se cuentan la Broadcast Musicians Inc. (BMI), la International Alliance of Women in Music, el American Music Center, la American Composers Alliance, y la asociación de Poetas y Escritores, ha ocupado el cargo de Tesorera de la asociación New York Women Composers.
Entre los diversos premios y becas con los que Beth Anderson ha sido galardonada cabe citar una beca del National Endowment for the Arts por el desarrollo de su carrera en la composición musical, una Beca de la National Public Radio Satellite Program Development Fund por la creación de una serie radiofónica de texto y sonido titulada "Poetry Is Music", varias becas del Consejo del Estado de Nueva York para el programa Meet The Composer, una beca de la Foundation For the Contemporary Performance Arts, un Galardón al Mérito de la National Federation of Music Clubs' por su labor en pro de las mujeres en la música, una residencia P.S. One/Institute for Art and Urban Resources, una beca ZBS Media para financiar la producción de una grabación en cinta magnética, un galardón Elizabeth Mills Crothers, una beca Biggerstaff, y una beca Alumni Fellowship para financiar su trabajo de licenciatura en el Mills College.
Ha recibido diversos encargos de prestigiosas instituciones como por ejemplo la Minnesota Synfonia, la Staten Island Symphony, el Cabrillo Music Festival, el San Francisco Conservatory's New Music Ensemble, el University of the Redlands' New Music Ensemble, el Montclair College Dance Festival, Daniel McCusker & Dancers, entre muchos otros. Varias de sus composiciones han sido grabadas por diversos artistas y publicadas por distintas discográficas.

Beth Anderson ha experimentado básicamente con la cinta magnética, la voz humana, el órgano de iglesia, el video, y todas las ventajas que la electrónica tiene que ofrecer, en la preparación de sus trabajos, entre los que cabe citar entre otras obras, "Morning View and Maiden Spring" (1978); "On Joan" (1977); "Promised Church Beautiful River" (1977); "Ode" (1976); "He Said" (1975); "The People Rumble Louder" (1975); "Bye Bridget Bardot Or Hello Charlotte Moorman" (1974); "Thus Spake Johnston" (1973); "Tower of Power" (1973). Dos de sus obras más recientes, "Trio: Dream in d", y "Net work" han sido publicadas bajo el sello Tirreno Records. Su obra "Belgian Tango" fue grabada por The Tango Project, en la colección Newport Classics CDs. Asimismo el sello Opus One ha publicado "Revel", obra interpretada por la Richmond Symphony, además de "Minnesota Swale", interpretada por la Slovak Symphony. Sus partituras han sido publicadas entre otros, por E.M.I/Joshua Corporation/General Music y la American Composers Editions, además de hallarse su música incluída en diversos catálogos, siendo tal vez el más completo el de la asociación New York Women Composers, Inc. La labor desarrollada por esta compositora ha merecido un puesto en diversas obras de consulta, como por ejemplo The New Grove Dictionary Of American Music, The New Grove Dictionary Of Opera, The Popular Guide To Women In Music, Contemporary Composers, y The Pandora Guide To Women Composers-British And American. Además, se puede consultar una larga entrevista que le fue realizada en los archivos del American Composers Oral History Project de la Universidad de Yale.
Fuente: amazings.com

ELIANE RADIGUE Electroacústica



Eliane Radigue (París, 24 de enero de 1932), es una compositora francesa de música electrónica, cuyo trabajo, desde principios de la década de 1970, se ha creado casi exclusivamente con un solo sintetizador, el sistema modular ARP 2500.

Nacida y criada en París por una familia de clase media, se casó con el escultor Arman con quien vivíó en Niza, mientras criaba a sus tres hijos. Había estudiado piano y ya había ensayado a componer cuando escuchó por vez primera una emisión en la radio de una pieza de uno de los padres fundadores de la música concreta, Pierre Schaeffer.

Poco después, en los años 1950, se reunió con él y se convirtió en una de sus alumnas y trabajó de manera periódica, durante sus estancias en París, en el «Studio d'Essai». Durante la década de 1960 fue asistente de Pierre Henry, periodo durante el cual creó algunos de los sonidos que aparecen en su obra. Como su trabajo ganó en madurez, Schaeffer y Henry estimaron que su uso particular del micro, con largos bucles grabados de efecto Larsen, eran contrarios a sus ideales, pero su práctica singular permaneció todavía fuertemente influenciada por sus métodos.

Alrededor de 1970, creó en la Universidad de Nueva York, en un estudio que compartió con Laurie Spiegel, su primera música basada únicamente en el uso del sintetizador, un modelo Buchla prestado por Morton Subotnick. Su objetivo era entonces crear un lento y determinado desarrollo del sonido, a la vez próximo al de los compositores minimalistas de Nueva York y de sus antiguos aliados de la música concreta francesa.

Después de haber presentado el primero de sus Adnos en 1974 en el «Mills College», por invitación de Terry Riley, un grupo de estudiantes visitantes franceses destacó la ligazón profunda entre su música y la meditación, y le sugirieron interesarse por el budismo tibetano, que le era relativamente desconocido.

Tras la investigación del budismo tibetano, se convirtió rápidamente y pasó los siguientes tres años dedicada a su práctica con el gurú Rinpoche Pao, que posteriormente la reorientó de nuevo a sus trabajos musicales. Regresó a la composición, retomando los mismos métodos de trabajo y persiguiendo los mismos objetivos que antes, y terminó Adnos II (1979) y Adnos III (1980). Durante buena parte de los años 1980, se dedicó a una obra singular, de una duración de más de tres horas, puede que su obra maestra, la Trilogie de la Mort, muy influenciada por el Libro Tibetano de los Muertos, por su práctica de la meditación y por la muerte de Pao Rinpoche y la de su hijo Yves Arman. El primer volumen de la trilogía, Kyema, fue su primera grabación publicada, en el sello XI de Phill Niblock.

Desde entonces, ha creado un gran número de obras, entre ellas una patrocinada por el gobierno francés, basada en cuentos e historias de la tradición budista.

Se incorporó más tarde al grupo de improvisación con «laptop», «The Lappetites», que lanzó su primer álbum Before the Libretto en el sello Quecksilber en 2005. El grupo está integrado por Eliane Radigue, Kaffe Matthews, Ryoko Kuwajima y Antye Greie, más conocido como AGF.
Fuente: wikipedia.org

lunes, 22 de septiembre de 2008

WENDY CARLOS Teclados


WENDY CARLOS ,nacida como Walter Carlos el 14 de noviembre de 1939 en Pawtucket (Rhode Island, EE. UU.) es una compositora de música electrónica estadounidense. Carlos fue una de las primeras intérpretes famosas de música electrónica que usaron sintetizadores.

La educación musical de Carlos comenzó cuando empezó a tocar el piano a los seis años. En su educación académica pasó por la Brown University donde estudió Música y Física, y la Universidad de Columbia, donde obtuvo un máster en música. En Columbia, Carlos fue alumna de Vladimir Ussachevsky, un pionero de la música electrónica. Tras la graduación conoció a ROBERT MOOG y fue una de sus primeras clientes, sirviendo de ensayo para el posterior desarrollo del sintetizador Moog. Hacia 1966 Carlos conoció a Rachel Elkind con quien comenzó una relación profesional duradera. Carlos ha vivido en Nueva York desde 1962.
Sus primeras seis grabaciones se publicaron con el nombre de Walter Carlos, aunque, siendo una mujer transexual, ya había cambiado su nombre Walter por Wendy. En 1972 Carlos se sometió a una terapia de cambio de sexo. La última publicación bajo el nombre de Walter Carlos fue By Request (1975). La primera publicación como Wendy fue Switched-On Brandenburgs (1979). Su primera aparición tras el cambio de sexo fue una entrevista en la revista Playboy (en mayo de 1979), una decisión de la que más tarde se arrepentiría debido al mal gusto y poca seriedad con que el autor tomo y manipulo deliberadamente detalles tan privados durante su transición y por ende la publicidad indeseada que atrajo sobre su vida privada. En su página oficial discute su transexualidad en un artículo en el que manifiesta que aprecia su privacidad sobre el tema .


Su primer disco Switched-On Bach fue tal vez el primer álbum en intentar el empleo de sintetizadores como una alternativa a la orquesta. Habiendo ayudado al ingeniero Robert Moog en el desarrollo de su primer sintetizador comercial, Carlos ayudó a promover esta tecnología, que era mucho más difícil de usar que hoy en día. Las técnicas de grabación multipista jugaron un papel importantísimo en el lento y costoso proceso de creación de su álbum.
Switched-On Bach se convirtió en el álbum clásico más vendido de todos los tiempos, y el primero en alcanzar el disco de platino. Fue seguido en 1969 por su secuela de música barroca The Well-Tempered Synthesizer (El sintetizador bien temperado), un juego de palabras sobre la obra El clave bien temperado, de Johann Sebastian Bach, aunque dicho álbum contiene también realizaciones electrónicas de obras de Claudio Monteverdi, Domenico Scarlatti y Georg Friederick Haendel.
Aunque se vendió bien, no alcanzó el nivel casi legendario del álbum anterior. Para los nuevos oyentes de música electrónica, El sintetizador bien temperado es más recomendable, ya que contiene una mayor variedad y refinamiento en los sonidos sintetizados: en una de las obras de Monteverdi se pueden escuchar sonidos cuasi vocales, previos al empleo del vocoder.
Estos primeros álbumes fueron una fuente de inspiración crucial para el compositor japonés Isao Tomita, quien más tarde grabaría sus propias interpretaciones de numerosos trabajos de compositores como Debussy, Músorgsky, Stravinsky, Holst, Ravel, Grofe y otros interpretados con sintetizadores.
En 1972 el álbum Sonic Seasonigs subió el listón. Editado como un doble álbum, con una cara por cada una de las cuatro estaciones, consistiendo en una única pista. Mezcló sonidos grabados con sonidos sintetizados, sin melodías, para crear un efecto de ambientación. Aunque no fue tan popular como otros álbumes, fue bastante influyente en otros artistas que acabaron creando el género ambiental. También en 1972 la banda sonora de la película A Clockwork Orange (La naranja mecánica) incluía música de Carlos.
Posteriormente (1973) se editó una version de A clockwork orange que incluiría solamente los temas realizados por Carlos, incluyendo obras propias y arreglos de musica instrumental de Beethoven, Rossini y Purcell. En esta grabación resulta crucial el empleo de un Vocoder (codificador vocal o también llamado seguidor de espectro) para la obtención de sonidos electrónicos con cualidad vocal: esto es bien apreciable en sus composiciones Timesteps (Los pasos del tiempo), Country Lane y su versión del cuarto movimiento de la Novena sinfonía de Beethoven.
Posteriormente seguirían Switched-on Bach II (1974), By request (1975, una recopilación de obras propias previas a la utilización del sintetizador Moog, obras propias utilizando el Moog y transcripciones varias de obras de Chaicovski, Wagner, Bach, Bacharach y The Beatles).
En 1979 se lanza el excelente álbum doble Switched-on Brandenburgs (‘los Brandeburgueses conectados’) donde el poder expresivo de Carlos usando el Moog para encarar un repertorio de tan bella y al mismo tiempo compleja música llega a su máxima expresión. Vale la pena señalar que los conciertos número 3, 4,5 y el primer movimiento del 2 ya habían sido lanzados en discos anteriores, en tanto que los restantes, 1, 2 y 6 fueron expresamente completados para la colección. Al margen que los conciertos previamente grabados fueron remezclados de manera diferente a las grabaciones originales, los conciertos más recientes revelan una sutileza y riqueza sonora notable (esto puede ser explicable debido al uso de Carlos en su sintetizador de una versión mejorada de los osciladores productores de sonido -VCOs- que le permitieron obtener sonidos de contenido armónico variable en el tiempo, mediante el uso de técnicas de modulación de la relación marca-espacio o PWM).
En 1982 compuso la partitura de la película Tron de la compañía Disney. Esta partitura incorporaba orquesta, coros, música de órgano y sintetizadores tanto analógicos (Moog modular) como digitales (GDS: Crumar General Development System, un sintetizador que emplea técnicas de modulación de fase y procesos aditivos). Uno de sus temas para los títulos finales fue reemplazado por una canción del grupo de rock Journey, y la música que compuso para la escena de las motocicletas de luz fue descartada. En el álbum de 1984 Digital Moonscapes se pasó a los sintetizadores digitales (el Synergy, version posterior del GDS, con un muy notable desarrollo de sonidos de instrumentos acústicos, que Carlos llama «réplicas»), en lugar de los analógicos que habían sido la característica de sus primeros álbumes. También incorporó parte del material rechazado de la banda sonora de Tron.
En el álbum Beauty In The Beast (1986) Wendy Carlos experimentó en sus sintetizadores Synergy con el «temperamento justo», usando un sistema de afinación alternativo que inventó para el álbum. El sistema emplea dos teclados, en uno de los cuales se tocan las notas. El otro teclado se usa para fijar la «nota raíz», y reafinar todas las notas en el teclado a intervalos racionales de tonos. Hay un total de 144 posibles notas por octava, que salen de las 12 notas diferentes que existen en una escala cromática multiplicadas por las 12 posibles afinaciones. Además del mencionado temperamento utilizo escalas exóticas provenientes de Tíbet, Polinesia, India y dos escalas de invención propia que permiten obtener intervalos primarios lo más cercanos a la justa entonación pero tomando como material una división del intervalo de cuarta en partes iguales y descartando la puridad de las octavas (es decir, se trata de una escala asimétrica). La pieza del mismo nombre que le da el título al álbum es en donde se puede apreciar el efecto de estas dos escalas llamadas Alpha y Beta.
El álbum Secrets of Synthesis de 1987 es una conferencia de Carlos, con ejemplos de audio (muchos de sus propias grabaciones), mostrando los temas que consideró relevantes. Parte del material es una buena introducción a la síntesis, y algunos conceptos avanzados más útiles a músicos experimentados.
A principios de la década del 2000 se remasterizó la mayor parte de su catálogo. En 2005 se publicó el doble volumen Recovering Lost Scores (‘recuperación de partituras perdidas’), que contenía material previamente descatalogado (la banda sonora de El Resplandor), la banda sonora nunca publicada de Woundings, y música grabada para las películas "Tron" y "La naranja mecánica" y que nunca fue usada.


Fuente: wikipedia.org
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viernes, 19 de septiembre de 2008

ALISON KRAUS Violín



Alison Krauss , (Illinois, Estados Unidos, 23 de julio de 1971), es una cantante y violinista de bluegrass de gran éxito en su país natal. Ha conseguido varios discos de platino y 21 premios Grammy.
Inicialmente estudió violín clásico, pero a los ocho años empezó a interesarse por el violín de bluegrass, y comenzó a tocar en fiestas y festivales y a obtener varios premios. Además de su virtuosismo con el violín, llamó pronto la atención de la crítica su voz de soprano. En 1985 se publicaron sus primeras grabaciones en el disco Different Strokes, una colección de temas bluegrass y folk interpretados, además de por ella, por su hermano Viktor, Bruce Weiss y Jim Hoiles. Ese mismo año, contando ella catorce, firmó un contrato con el sello discográfico Rounder Records, especializado en música tradicional de los Estados Unidos, que en 1987 editó Too Late to Cry, su primer disco en solitario, que tuvo un gran éxito. En su siguiente disco, Two Highways (1989), contó con la colaboración de la banda de bluegrass Union Station: Mike Harman (banjo), Jeff White (guitarra) y John Pennell (bajo). En esta obra, Krauss hizo incursiones en el country, el gospel e incluso el rock, con una versión de la canción Midnight Rider, de The Allman Brothers Band.
Ha producido discos para otros músicos, como The Cox Family y Nickel Creek.
El 29 de Octubre de 2007 sale a la venta un disco suyo de versiones llamado Raising Sand acompañada por Robert Plant, cantante del grupo Led Zeppelin.

Discografía
1985 - Different Strokes
1987 - Too Late to Cry
1989 - Two Highways
1990 - I've Got That Old Feeling
1992 - Every Time You Say Goodbye
1994 - I Know Who Holds Tomorrow (con The Cox Family)
1997 - So Long So Wrong
1999 - Forget About It
2001 - New Favorite
2004 - Lonely Runs Both Ways
2007 - Raising Sand (con Robert Plant)


Fuente : wikipedia.org

miércoles, 17 de septiembre de 2008

LAURIE SPIEGEL Teclados, electroacústica



LAURIE SPIEGEL es una compositora referente para todos los aficionados a los sintetizadores y a la creación de sonidos por ordenador. Pionera en la música electrónica nació en Chicago el 20 de Septiembre de 1945. En su adolescencia tocó la guitarra, el banjo y la mandolina surgiendo su afición a la música y en especial a la composición. Estudió Ciencias Sociales en la Universidad de oxford y cuando terminó , con 20 años decidió decicarse a la música . Comenzó a estudiar Solfeo y Lenguaje Musical para poder escribir su música y luego se fue a Londres para estudiar guitarra clásica y composición.Su ídolo es J.S. Bach

Fue pionera en la aplicacion tecnológica a la música destacando por sus programaciones hechas con sintetizadores y ordenadores. Desde 1969 comenzó a trabajar con sintetizadores analógicos por propia cuenta y en 1973 se incorporó a la empresa Bell Labs encargándose del diseño de software principalmente para composición, desarrollando infinidad de programas informáticos que utilizarían todos los músicos aficionados al mundo de los sintetizadores.
Con los laboratorios Bell estuvo hasta 1979 y destacó en algunos de sus trabajos como la creación del programa "Music-Mouse" , conocido como un "instrumento inteligente" algo totalmente innovador en el mundo de la música .Con este programa, además de muchas otras características, no se necesitaba de un teclado para transferir datos musicales al ordenador y así hizo accesible la música por ordenador a músicos que no estaban familiarizados con las teclas.
También en los Bell Labs Laurie Spiegel desarrolló un programa
llamado VAMPIRE (siglas de Video and Music Program for Interactive Realtime
Exploration/Experimentation), que combinaba partes del sistema GROOVE ideado
por Max Mathews con técnicas de animación computerizada de Ken Knowlton, uno
de los innovadores imprescindibles (junto a Chuck Csuri o Ivan Sutherland)
en la historia de la animación digital, gracias a logros como el lenguaje
BEFLIX

Otro de los trabajos más significativos de Laurie fue recrear los sonidos predichos por Kepler en la Armonía de las esferas con el tono preciso para cada planeta.
Según la teoría del astrónomo Johannes Kepler en momentos muy poco frecuentes todos los planetas podrían tocar juntos en perfecta concordancia. Kepler propuso que esto podría haber ocurrido una única vez en la historia, quizás en el momento de la creación.
Parte de este trabajo fue enviado al espacio en la nave Voyager en 1977 dentro de de una selección musical de los Grandes éxitos de la Tierra.

Otro de sus trabajos más llamativos es un álbum de 10 minutos de óperas creadas a partir de sonidos de animales transformadas.

Cuenta con numerosas grabaciones propias y en colaboración con otros artistas, películas de video, bandas sonoras de música y efectos audiovisuales. También ha hecho composiciones para teatro y danza. Ha escrito poemas y varios ensayos sobre tecnología y arte.
Dirigió el departamente de informática y música electrónica de la Universidad de Nueva York además de dar clases de composición. Ha recibido numerosas becas y premios de las empresas y estudios más importantes de E.E.U.U. para su labor investigadora y desarrollo de programas.


. Mas información en: http://retiary.org



TORI AMOS Piano




TORI AMOS nació el 22 de agosto de 1963. Es una pianista y cantante estadounidense. Está casada con el ingeniero de sonido inglés Mark Hawley y tienen una hija,

AMOS es una de las más importantes cantautoras de principios de los noventa, y también una de las pocas estrellas del pop moderno que usan el piano como su instrumento principal.

Es conocida por sus canciones líricamente opacas pero intensamente emocionales que cubren un gran abanico de temas que incluyen la sexualidad, la religión, el patriarcado y la tragedia personal.

AMOS cuenta con un sólido grupo de seguidores, y ha vendido alrededor de 12 millones de discos en su carrera en solitario. También se la conoce por hacer comentarios excéntricos en sus entrevistas y en los conciertos, lo que le ha dado una reputación de persona altamente individualista.

Cuando Amos tenía 2 años y medio, su familia se mudó a Baltimore, Maryland, en donde ella comenzó a tocar el piano. A la edad de cinco años ya había comenzado a componer piezas instrumentales en piano, y con nueve comenzó a agregar letra a sus piezas.
En 1968, mientras vivía en Rockville, Maryland, ganó una beca completa en el conservatorio Peabody de Música.

A sus cinco años, era la persona más joven que jamás había ingresado en esa escuela. Tras cumplir los 11, le retiraron la beca y la expulsaron del conservatorio.

Amos asegura que perdió su beca a causa de su interés en el rock y la música pop, además de su desagrado por leer música de las partituras. Dos años después, comenzó a estudiar en el Montgomery College, y comenzó a tocar el pianos en bares, acompañada, eso sí, por su padre, quien a su vez mandaba cintas con sus canciones a las principales compañías discográficas.


En 1985, después de tocar una noche en un bar, dejó subir a un cliente regular del establecimiento a su coche para llevarlo a su casa. Este extraño fue quien minutos más tarde la amenazó de muerte si no satisfacía sus necesidades sexuales. Aquella dura experiencia la describiría más tarde en su canción Me and a Gun, canción en la que narra su propia violación sexual que ocurrió cuando tenía 21 años.

Inicia su carrera en solitario en 1991 con el disco Little Earthquakes (Pequeños terremotos), título que en cierto modo da a conocer el espíritu emocionante y extremo de las canciones contenidas. El piano, en verdad siempre presente a lo largo de su discografía, cobra un especial protagonismo en este primer álbum; en posteriores ocasiones, Tori experimentará con nuevos instrumentos y programaciones electrónicas.


Lleva grabados hasta la fecha 20 discos.
American Doll Posse es hasta la fecha, su más reciente álbum de estudio. En él, Tori adopta la personalidad de cinco personajes distintos, cinco mujeres inventadas que guardan correspondencias con cinco diosas de la antigua Grecia y que representan diferentes espíritus y estilos de vida: Clyde, Pip, la propia Tori, Santa e Isabel. El álbum devuelve a una Tori contundente, rockera, que recupera el sonido de los primeros álbumes a base de percusiones y guitarras, y acompañándose eventualmente de viento, metal o cuerdas. Big Wheel, el primer single, ha devuelto la notoriedad a la artista que, para promover esta nueva creación (auténtico cóctel de reflexiones políticas, sensibilidad femenina e ironía ante las convenciones sociales o religiosas), realiza una gira europea y estadounidense en la que, además de tocar las nuevas canciones, recupera clásicos propios: Yes Anastasia, Puttin the damage on, Caught a Lite Sneeze, Hey Jupiter, Bliss, Cornflake girl, Amber Waves, Black dove... son algunos de los temas rescatados que con más frecuencia ha interpretado durante el American Doll Posse Tour 2007.


Fuentes : wikipedia y toriamos.com


PAULINE OLIVEROS Acordeón




Nacida en 1932, la compositora e intérprete Pauline Oliveros, es considerada alumna de Robert Erickson, pionera en el campo de la música electrónica, virtuosa del acordeón, pedagoga musical, autora y filósofa excepcional, que ha transformado el panorama musical americano con su polifacético trabajo en el campo de la improvisación, técnicas electrónicas, rituales, mitos, métodos de enseñanza, y una amplia gama de actividades en pro de la música de vanguardia. La música meditativa actual debe a Pauline Oliveros su existencia, pues se la considera su creadora original. Sonic Meditations, obra en que refleja su filosofía, la llevaría a ser considerada como fuente de inspiración para el arte meditativo en todas sus manifestaciones, así como para músicos, artistas e incluso médicos que consideran la meditación como un método de curación eficaz.
Ya en los años sesenta Pauline Oliveros, entonces directora del Centro de Música Concreta del Mills College, iniciaría su carrera como pionera de las nuevas músicas, especializándose en la música con cinta magnética. Posteriormente pasa catorce años en la Universidad de California en San Diego, donde pasa a ser parte vital del mundialmente famoso programa de nuevas músicas de dicha institución.
En 1981 Pauline abandona su cátedra en la Universidad de California con el fin de dedicarse a desarrollar sus ideas, llevando a cabo sus proyectos creativos, actuaciones en solitario y diversas colaboraciones. Con este motivo funda la Deep Listening Band, una especial ensemble en la que participan importantes figuras del vanguardismo norteamericano, entre ellas el famoso trombonista Stuart Dempster, el conocido manipulador de espacios sonoros Panaiotis, y David Gamper, quien contribuye con sus expertas manipulaciones sonoras.
La artista funda en 1985 The Pauline Oliveros Foundation, Inc. (la Fundación Pauline Oliveros Inc.), en Kingston, Nueva York, con el fin de apoyar todos los aspectos del proceso creativo dirigido a una comunidad mundial de artistas, sus producciones musicales y su divulgación, con fines no lucrativos, en un innovador programa de creación de nuevas obras. Esta Fundación, que Pauline preside, incluye en su archivo un auténtico catálogo de la vanguardia musical americana, con material fonográfico, partituras, libros, videos, e información diversa sobre variados artistas tales como la misma Pauline, John Adams, Richard Kostelanetz, Christine Baczewska, Ellen Band, Brenda Hutchinson, Connie Kieltyka, Jane Leach, Annea Lockwood, Laurie Spiegel, etc. Este mismo año el centro John F. Kennedy ofrece una retrospectiva de su obra en Washington. El año anterior se edita una antología de sus trabajos escritos bajo el título Software for People.
Para Pauline la música debe transmitir una energía positiva, a través de la escucha, en un especial trabajo conjunto. Roots of the Moment, publicado en 1988, según el New York Times fue el mejor CD del año. Como compositora, Pauline ha sido galardonada en diversas ocasiones, entre otras con el Premio Bessie del Dance Theater Workshop por Contenders (1991), un trabajo para la Compañía de Danza Susan Marshall, un Fellowship del National Endowment for the Arts en 1992 por su composición Epigraphs in the Time of Aids, por la Deep Listening Band, además de un premio de la Foundation for Contemporary Performance (Fundación Para La Interpretación Contemporánea) 1994 por el conjunto de su trabajo.


En Diciembre de 1993 se estrena una obra de teatro musical, Njinga the Queen King, con música original de Pauline Oliveros, en el Next Wave Festival de la Academia de Música de Brooklyn. Su CD Pauline Oliveros & American Voices (1994) cosecha un gran éxito por parte de la crítica. Otras actividades que Pauline desarrolla a lo largo de su carrera incluyen su participación en el Festival de Música Visual de Lanzarote, así como sus diversas colaboraciones escribiendo artículos para el Leonardo Music Journal. En 1995 compone Ghost Dance, en colaboración con la coreógrafa bostoniana Paula Josa Jones, obra encargada por el Lincoln Center, así como la música para la producción de Mabou Mines Lear.
Pauline ha actuado en el John F. Kennedy Center para Performing Arts en Washington, DC, New Music America Festivals, además de numerosas actuaciones en incontables salas de conciertos en todo el mundo. En el décimo aniversario de la Fundación se dan una serie de conciertos y conferencias en Kingston, Nueva York. Sus grabaciones se dispersan en diversos sellos. De sus composiciones podemos destacar Crone Music; Tara's Room; Deep Listening; Vor der Flut; The Wanderer; Troglodyte's Delight; The Ready Made Boomerang; Sanctuary; Sounding Way, Tosca Salad; entre otras muchas.
Oliveros explora en sus composiciones todas las posibilidades que la técnica tiene que ofrecer al artista. Para ella, toda técnica es válida para la música. Tanto si son instrumentos acústicos, la electrónica, cintas pregrabadas, ordenadores o instrumentos especialmente diseñados y construídos por los músicos, como si se tratase de las altas tecnologías caso de tener acceso a éstas, así como los aspectos rituales y dramáticos/teatrales de las artes en general, son elementos que han de contribuir a la creación musical. Su innovador genio creativo y su excepcional vitalidad y veteranía en el campo de las músicas de vanguardia la han situado ya en la historia de la música como uno de los más grandes valores de nuestro tiempo.

Fuente: amazings.com


DOLORES CASTRO Teclados



Con su primer album, "Fifth Dimension", DOLORES CASTRO, una compositora hasta ahora desconocida, ha causado muy buena sensación en la prensa musical especializada. Y no sólo porque, desgraciadamente haya pocas mujeres haciendo música electrónica, sino porque ella ha demostrado poseer una soltura admirable en la composición. Esto y su sólido dominio de los teclados dotan a su música de una gran fuerza expresiva. "Fifth Dimension" (publicado por Dreaming / Musea Records, de Francia) puede ubicarse entre la vena más sinfónica del Ambient y la vertiente más electrónica de la Nueva Música Instrumental. Los temas poseen melodías bien definidas, con un aire romántico a menudo teñido de una sugerente aura de misterio y toques melancólicos. Los ritmos, básicamente entre el Pop y el Tecno, aportan el sabor de la aventura en aquellos temas donde son rápidos, y refuerzan el planteamiento general en aquellas piezas donde discurren a medio gas. La paleta de sonidos es rica, sobria, elegante y ágil, con predominio de las sonoridades majestuosas, la electrónica cálida, y los ambientes vaporosos. El piano protagoniza diversos pasajes. Las orquestaciones y los arreglos están bien hechos, percibiéndose una cuidadosa labor tras cada elemento sonoro.


Sus influencias van desde música techno de grupos consagrados como Depeche mode o Yazoo, , pasando por música dance con grupos como Snap incluso artistas como Robert Miles. Dentro del ChillOut, Uranus y artistas como Enya o Suzanne Ciani por la dulzura de sus composiciones que en ocasiones no encuentra en artistas masculinos.
Pero lo que realmente ha seguido mucho son las bandas sonoras. Compositores como James Horner, John Williams o Wojiech Kilar . Sobre todo Vangelis, JM Jarre o Mike Oldfield dentro del new age electrónico.


Nació en Valencia en 1974 y es ingeniero electrónico. Ha grabado dos discos hasta el momento. El primero en el 2005 con Musea Records titulado "Fith Dimension". El segundo en Diciembre del 2007 con el título "White".

Fuente: amazings.com
dolorescastro.com

martes, 16 de septiembre de 2008

PAZ DEL CASTILLO Piano



"Para mi la música no es una competición. No concibo el arte como un alarde de lo que uno sabe o entiende. Desde pequeña la música me ha acompañado siempre y ha sido testigo de mi vida.A través de mis composiciones busco la belleza, la esencia de lo que siento y veo, para poder transmitirlo y que el que escucha disfrute y sienta.Quizá las primeras veces fue un trabajo mitad intelectual, mitad emocional, pero con el tiempo he aprendido ha dejarme llevar a sacarla de lo más profundo y dejar que fluya en el teclado.Ahora sí que puedo afirmar que el trabajo intelectual existe, son las herramientas con las que trabajo, pero la esencia de mis composiciones, el primer momento, son un ochenta por ciento de mis emociones, mis recuerdos, mis vivencias, mis imágenes, mis sueños…..y es lo que intento transmitir...En directo es todavía más mágico. Ojalá lo consiga…”


Con este comentario se inicia la página web de la pianista PAZ DEL CASTILLO , de origen asturiano , aunque vivió la mayor parte de su vida en Valladolid, donde cursó sus estudios de música inicialmente. Más tarde aumentó sus estudios en Londres y Madrid.


Conoció a SUZANNE CIANI durante un recital en Valladolid. Ganadora del Certamen de Música Joven de la Junta de Castilla y León, la pianista estadounidense se fijó en ella y viajaron juntas a la residencia de Ciani para grabar algunos temas.

Grabó su primer CD con obras para piano solo en los Estudios Seventh Wave, S.F (EEUU) producido por SUZANNE CIANI.


En el 2005 , de nuevo SUZANNE CIANI volvió a España para dar 4 conciertos y PAZ DEL CASTILLO fué su invitada , la cual presentó 8 temas de su álbum "Moods for Piano. Combina la música clásica con el chill out y el new age para crear ambientes con un estilo propio.
Fuente: pazdelcastillo.com

sábado, 13 de septiembre de 2008

NANNERL Piano




MARIA ANNA WALBURGA IGNATIA MOZART (Salzburgo, 1751 - Salzburgo, 1829)
Aquí nos volvemos a encontrar un caso en el que ser mujer juega un papel determinante . NANNERL la hermana del genio MOZART, olvidada por los libros de historia por haber nacido mujer en una época en la que estaba mal visto ser compositora o creadora e incluso tocar cualquier instrumento que no fuera el piano y poco más. Aún así la única función a la que podía aspirar una pianista de la época era: dar conciertos para la familia y amigos y dar clases , el resto era cosa de hombres.

Hay estudios que demuestran que Nannerl era una niña prodigio con un talento natural para la música al igual que su hermano Mozart. Su padre, también músico del cuál se dice en numerosos libros de historia que su mayor ambición era conseguir fama a cualquier precio, en un principio les dió la misma educación a Amadéus y a Nannerl , la mayor de los 4 hermanos que sobrevivieron. De hecho con cinco años los dos daban conciertos para un público muy numeroso. Sin embargo cuando contaba con 10 años , su padre decidió que aquello no estaba bien para su hija y lo mejor y más conveniente para Nannerl era dedicarse a la enseñanza. Se dedicó a dar clases a aristócratas adinerados en su mayoría con poco talento para la música, con lo cual ayudaba a subsistir a su familia y servía para pagar los estudios de su hermano Amadéus.
En 1759 su padre compila el «Libro de Música de Nannerl», que se convirtió también en libro de estudio del hermano .

Aún después de su casamiento (1784) con Johann Baptist Franz von Berchtold zu Sonnenburg (1736-1801), con el que vivió hasta su muerte en el edificio del juzgado de St. Gilgen, siguió atendiendo a su padre. De sus tres hijos sobrevivió sólo Leopold Alois Pantaleon (1785-1840), que nació en Salzburgo en la «Tanzmeisterhaus» y fue el orgullo de su abuelo.
Gracias a la parte de la herencia que le había asignado el marido pudo ir viviendo en cierto modo pasablemente, habiendo quedado ciega en 1824 pero dando clases de piano a pesar de ello. Nannerl falleció en la casa Barisani (Siegmund Haffner Gasse, 12) y, después de haber modificado su testamento (1823), fue enterrada en la cripta comunal de la iglesia de San Pedro.


Los dos hermanos carecieron de infancia y estaban muy unidos. Hay constancia de que Mozart recitó en numerosas ocasiones temas compuestos por su hermana NANNERL Muchos años más tarde Mozart obsequiaría a su hermana con la Sonata en Re mayor K.251 de 1776, el Capricio K.395/300g de 1778, el Preludio y Fuga K.394/383a y el Adagio en Si menor K.540 de 1788.

viernes, 12 de septiembre de 2008

GERI ALLEN Piano




Geri Allen es una de las grandes pianistas de jazz de finales del siglo XX y tiene todo a su favor para ser, en este incipiente Siglo XXI, una de las grandes referencias del jazz. Miembro del colectivo musical "M-Base", en 1994 ingresó en el cuarteto de Ornette Coleman siendo la primera pianista que Ornette, contrató en más de treinta años. Los programadores de Jazz at Lincoln Center le encargaron la obra: "Sister Leola, An American Portrait" todo un compendio musical moderno, brillante y creativo. A pesar de su juventud, posee ya una amplia discografía en Blue Note y Verve, de la que cabe destacar por su extraordinaria calidad, el álbum: "Maroons" (Blue Note, 1992)
Escuchar a esta pianista de jazz es descubrir el verdadero significado del arte en el piano de jazz. Con una capacidad técnica asombrosa, Geri Allen se ha ganado a pulso la consideración de ser una de las grandes pianistas del jazz contemporáneo. Además lo ha hecho en muy poco tiempo. Su impronta ha impactado en este difícil terreno donde las mujeres instrumentistas son una inmensa minoría. A sus cuarenta y pocos años, Geri Allen ya puede presumir de haber tocado con la flor y nata de los músicos en los géneros más diversos y ha mantenido una carrera intachable creciendo cada año. Geri Allen además está en su mejor momento de madurez. En 2003 se presentó en Madrid con el que ahora es su habitual formato de trío, junto a los hermanos Johnson (Billy al bajo y Mark a la batería), y dejó anonadado a un público que llenaba hasta la bandera el recinto. Lo mejor de todo es que ninguno de los tres tuvo que hacer nada fuera de tono o recurrir al guiño populachero: les bastó con tocar jazz de calidad a un altísimo nivel.
Geri Allen, lo mismo asume tocar en formato pequeño con un criterio muy formado de lo que es el trío, o lo hace a piano solo y entonces el lirismo de su música lo impregna todo. Y lo importante es que lo hace acumulando un derroche de swing inagotable.
Fuente: apoloybaco.com

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MARTHA ARGERICH Piano



Martha Argerich nació en Buenos Aires. Desde los cinco años tomó clases de piano con Vecenzo Scaramuzza. En 1955 viajó a Europa con su familia, y recibió instrucción por parte de Friederich Gulda en Viena; entre sus maestros también se incluyen Nikita Magaloff y Stefan Askenase.



Luego de sus primeros premios en las competiciones de piano en Bolzano y Geneva en el año 1957, se embarcó en un programa intensivo de conciertos. Su victoria en el concurso Chopin en Warsaw en 1965 fue un paso decisivo en su trayectoria al reconocimiento mundial.
Martha Argerich alcanzó la fama con sus interpretaciones de la obras virtuosas para piano de los siglos XIX y XX. Pero ella no se considera a sí misma como una especialista en los trabajos “virtuoso”. Su repertorio incluye desde Bach pasando por Beethoven, Schumann, Liszt, Debussy y Ravel, incluyendo a Bartók. Ella trabajó como concertista con muchos famosos directores de orquesta.

También ha adquirido gran importancia en la música de cámara desde, que a los 17 años, acompañó al violinista Joseph Szigeti, de dos generaciones más grande que ella.
Argerich ha hecho giras por Europa, América y Japón junto Gidon Kremer y Mischa Maisky, también ha grabado gran parte de su repertorio para cuatro manos y dos pianos con los pianistas Nelson Freire, Stephen Bishop-Kovacevich, Nicolas Economou y Alexandre Rabinovitch. Se presentó en el festival Gidon Kremer en Lockenhaus, en el festival de verano para piano en Munich, el Festival Lucerna y el de Salzburgo, donde dio, por ejemplo, un recital con Mischa Maisky en el año 1993.

Martha apareció con Claudio Abbado y la Filarmónica de Berlín en el año 1992 en el Concierto de Víspera de Año Nuevo presentando la obra Burleske de Strauss, y también en el Festival de Salzburgo en pascua del año 1993. Mayo de 1998 vio el ansiado musical “Summit meeting” entre Martha Argerich, Mischa Maisky y Gidon Kremer. Durante la ocasión del concierto en memoria al empresario Reinhard Paulsen, los tres artistas viajaron juntos a Japón, donde interpretaron tríos para piano de Shostakovich y Tchaikovsky (grabados por Deutsche Grammophon).
En marzo de 2000 dio su primer gran aparición como solista en casi 20 años en el Carnegie Hall de Nueva York. La pianista tiene lazos cercanos con Deutsche Grammophon, que se remontan a 1967. Ha grabado prolíficamente durante este periodo: trabajos de solos de Bach, Brahms, Chopin, Liszt y Schumann; grabaciones de los trabajos de concierto de Chopin, Liszt, Ravel y Prokofiev junto a Claudio Abbado, Beethoven junto a Giuseppe Sinopoli, y Le Noces de Stravinsky junto a Leonard Bernstein.
El maestro Gulda con su jóven discípula
Su grabación del primer concierto de Shostakovich, y el número once de Haydn, con el Württembergische Kammerorchetster, Helibornn, dirigido por Jörg Färver fue coronada con el premio a la Academia de Grabaciones de Tokio en 1995. Asimismo el concierto Número 1 para piano de Tchaikovsky junto a Claudio Abbado y la Orquesta Filarmónica de Berlín fue premiado con el premio al mejor CD en el año 1997.

Argerich se dedicó también a la música de cámara, y grabó trabajos de Schumann y Chopin junto a Mstislav Rostropovich, y sonatas tanto de Bach como de Beethoven nuevamente junto a Mischa Maisky. Además ha hecho numerosas grabaciones muy exitosas con otros músicos, entre ellas sonatas para violín de Schumann y trabajos de Bartók, Janácek y Messiaen y el concierto para violín y piano de Mendelssohn junto a la Orquesta de Cámara Orpheus. Sus grabaciones de las sonatas y melodías Prokofiev recibieron el premio a la Academia de Grabaciones de Tokio, y el Diapasón de Oro en 1992, y el premio Edison al año siguiente. Una de sus más destacadas grabaciones fue la de las sonatas completas para violín de Beethoven, la cual fue concluida con el lanzamiento de las Sonatas opus 47 “Kreutzer” y opus 96 en el año 1995.
Esta reconocida pianista tiene un interés muy compasivo en los jóvenes artistas. En septiembre de 1999 se llevó a cabo en Buenos Aires, el primer Concurso Internacional de Piano, una competencia que no sólo llevaba su nombre sino de la cual era presidenta del jurado. En noviembre de ese mismo año tuvo lugar en Japón el segundo “Festival de Música Martha Argerich”, con conciertos y clases maestras dadas no sólo por Martha sino también por Mischa Maisky y Nelson Freire, entre otros.
Fuente: pianored.com


EDDA MARÍA SANGRÍGOLI Piano



Nacida en Bolívar, Argentina, comenzó a tocar el piano a la edad de 14 años, guiada por su padre, el maestro Humberto Sangrígoli. Al poco tiempo fue becada con el auspicio de la Comisión Nacional de Cultura. Estudió con el maestro Vincenzo Scaramuzza durante nueve años, posteriormente con Alejandro Ntaca y en París, en la Academia de Piano “Marguerite Long”.

A los 14 años ofreció recitales, a los 17 actuó con una orquesta como solista y a los 18 fue ganadora del Concurso Nacional del Servicio Cultural Francés en Argentina, recibiendo una beca del gobierno Francés para perfeccionamiento en París.

Edda María Sangrígoli se presenta habitualmente en recitales en varios países, sobre todo en grandes centros musicales como París (Salle Gaveau, Salle Chopin Pleyel, Salle Alfred Cortot), Bonn (“La Redoute”), Roma, Dusseldorf o Buenos Aires (Facultad de Derecho, Colegio de Escribanos, Auditorio de Belgrano, Teatros Opera, Coliseo, Odeón, Colón y Argentino de La Plata). Ha sido solista invitada de las orquestas más importantes de Argentina, como la Filarmónica de Buenos Aires y la Sinfónica Nacional, o las Sinfónicas de Rosario, Mar del Plata, La Plata y Tucumán, entre otras, abarcando un amplio repertorio que se extiende desde Mozart hasta Sokhausen. Cabe mencionar que entre su repertorio se encuentran los cinco conciertos para piano y orquesta L. V. Beethoven, los conciertos de Brahms, la obra integral para piano y orquesta de S. Rachmaninoff y el primero y el segundo de P. Tchaikowsky, entro otros.

Sus éxitos valieron el premio de la Fundación Singer-Polignac en París. Distinción propuesta por la célebre Nadia Boulanger.

Ha estudiado dirección de orquesta en al Julliard School de New York, y se graduó en la State University of New York.

Su actividad de compositora se desarrolló en Paris destacándose sus trabajos originales en diversos “Fils d´Auteur”.

En Julio 2005 participó como miembro del jurado en el Congreso Nacional de Piano “Ciudad de Buenos Aires”, organizado por la Fundción Martha Argerich. En el mismo año fue solista invitada en la Gira Argerich 2005 presentándose con la Orquesta Sinfónica de Salta con el Segundo Concierto de Prokofiev. Y en la misma temporada interpretó el Segundo Concierto de Liszt con la Orquesta Sinfónica de Paraná.

Ofreció también recitales en el Colegio de Escribanos de la Ciudad de Buenos Aires y en la Casa de la Cultura del Fondo Nacional de las Artes inauguró el Ciclo Homenaje a Mozart.

“La mayoría de los pianistas hacen del teclado lo que pueden. Edda María Sangrígoli hace lo que quiere ... Un hermoso recital” (Salle Gaveau)


Fuente:bolivarhoy.com.ar

martes, 2 de septiembre de 2008

MELISSA AUF DER MAUR Bajo



Melissa Gaboriau Auf der Maur (nacida en Montreal, Canadá, el 17 de marzode 1972) es una bajista, guitarrista y cantante canadiense. Como solista, Melissa interpreta bajo el nombre artístico de Auf der Maur. Maur deriva de la palabra alemana Mauer (en español: muro)
Como bajista, Melissa participó en los grupos musicales Hole y The Smashing Pumpkins. En The Smashing Pumpkins, Melissa participó como bajista en la en la gira promocional Sacred and Profane.
Es hija del periodista y político Nick Auf der Maur, y de la traductora literaria Linda Gaboriau. Su lengua materna es el inglés, aunque posteriormente aprendió francés y español. Pasó parte de su niñez en Kenya junto a su madre, aunque rápidamente volvió a Montreal, donde estudió fotografía en la Concordia University.

Auf der Maur comenzó una relación de amistad con Billy Corgan, después de que ella se disculpara con él por la actitud de una amiga, quien lanzó una botella de cerveza al grupo (The Smashing Pumpkins) durante un concierto en Canadá. Posteriormente, su grupo, Tinker, abrió la presentación de The Smashing Pumpkins en Montreal, el año 1993.
En 1994 Corgan le recomendó a Courtney Lovela integración de Melissa a Holecomo bajista, después de la muerte de Kristen Pfaff. Se integró a Hole dos semenas antes del Reading Festival, manteniéndose como miembro hasta la grabación del álbum Celebrity Skin. Finalmente abandonó el grupo el 20 de octubre de 1999.
Cuando en septiembre de 1999 D'arcy Wretzky abandonó The Smashing Pumpkins (tras la grabación de MACHINA/The Machines of God, Melissa fue invitada como bajista para la gira promocional Sacred and Profane. Además, ella apareció en los vídeos musicales de dos de los tres sencillos promocionales del álbum.
Después de la separación de The Smashing Pumpkins el 2 de diciembre de 2000 Auf der Maur participó como vocalista en el grupo tributo a Black Sabbath, llamado Hand of Doom. También tocó junto al grupo The Chelsea en Los Ángeles, CA.
Melissa ha formado parte y ha tocado con dos de los grupos y cantantes más determinantes y polémicos del rock alternativo y grunge de los 90. Hole, junto a Courtney Love, y Smashing Pumpkins, junto a Billy Corgan. La pelirroja bajista afirma que su "época en Hole, de los 22 a 27, fue la más educativa y formativa en términos de lecciones para toda la vida. En Hole descubrí quien era y cuales eran mis valores. Aprendí a hacerme respetar. Cuando estás rodeada de gente realmente intensa, lo mejor que puedes hacer es levantarte y hacerte oír, sino te evaporas y acabas desplazada. En estos años aprendí a hacerme más dura.

En 2002, Melissa colaboró como vocalista en la canción "Le grand secret", en el álbum Paradize del grupo musical francés Indochine. Además, apareció en el video musical del mismo sencillo, junto con Nicola Sirkis. La canadiense contribuyó como vocalista en la canción "Do Miss America", del álbum de 2003 llamado Rock N Roll, de Ryan Adams.
En noviembre de 2004, Auf der Maur participó en la gira promocional Love Metal de HIM. En el mismo año, participó en la gira promocional Put Out Your Lights de Matthew Good, abriendo las presentaciones de la gira.
En ese mismo año, Melissa inició su carrera en solitario bajo el nombre de Auf der Maur, nombre que dio a su álbum debut lanzado por Capitol. El disco logró una gran aceptación, en parte, gracias a sus singles "Followed the Waves", "Real A Lie" and "Taste You".


A la fecha, Melissa Auf der Maur sólo ha publicado un álbum, bajo el nombre de Auf der Maur. Actualmente se encuentra trabajando en su segundo álbum.
Además, como bajista, Melissa Auf der Maur ha participado en el álbum Celebrity Skinde Hole y en el álbum Judas 0de The Smashing Pumpkins. Como cantante, ha participado en el álbum Live in Los Angelesde Hand of Doom.

Fuente:wikipedia